EL ESTILO MUSICAL EN EL BARROCO

El periodo Barroco abarca del siglo XVII y la primera mitad del XVIII.

Convivieron el Estilo Antico y el Estilo Moderno.

El estilo de la antigua escuela cayo en el olvido.

El nuevo estilo transformo la técnica musical.

Los compositores utilizaron los dos estilos, ,el antico se aprendía con estudios académicos. 

El Stile Antico se basaba en Palestrina, estilo a cappella de la música Barroca.

Las reglas del estilo Antico fueron codificadas por teóricos como  Botempi y Fux.

Los antiguos maestros del renacimiento solo tenían un estilo y los modernos tres según menciona Berardi 1689 en el libro Miscelanea Musicale.

La música en este periodo se divide en:

• Música Sacra
• Música de Cámara
• Música de Teatro

En la musica renancentista manda la Armonía sobre la letra y en el Barroco manda la letra sobre la Armonía, se conoce con el termino expressio verborum.

Nace el recitativo que abandona el contrapunto, donde la letra marca el ritmo musical y las cadencias.

El recitativo va acompañado con el nacimiento de la opera impulsando la representación de la época griega.

La diferencia principal entre la música renacentista y la música barroca es el uso de las disonancias.

Música Renacentista Disonancias = tiempo débil del compas o suspensión en el fuerte. En un ritmo rápido apenas puede utilizar disonancias.

La armonía solo acepta triadas y acordes de sexta,

Música Barroca= Bajo proporciona el acorde y voz superior proporciona disonancia y la  resuelve con un acorde ascendente o descendente.

Música Barroca = Bajo continuo  , excepto obras de Bach para clave y órgano.

La melodía depende del apoyo del bajo continuo 

Voces superiores posición dominante.

Bajo y soprano es la base estructural  de la composición.

Las disonancias aportan nuevos intervalos melódicos .

Grados cromáticos progresiones aumentadas y disminuidas. 

BLUE BOSSA

 

Blue Bossa” es un standard de jazz muy conocido, escrito por el trompetista Kenny Dorham y grabado por primera vez en 1963 en el álbum Page One de Joe Henderson (con Butch Warren al contrabajo) y desde entonces ha aparecido en muchísimos discos de jazz y de contrabajistas o grupos en general. 

 

Grabaciones importantes donde sale Blue Bossa

1. Page One – Joe Henderson (1963)

Grabación original y más influyente del tema, con Butch Warren al bajo junto a Henderson, Kenny Dorham, McCoy Tyner y Pete La Roca. 

2. The Standard Joe – Joe Henderson (1992)

Henderson vuelve a grabar Blue Bossa en un formato de trío con Rufus Reid en contrabajo. 

3. Blue Bossa In The Bronx – Kenny Dorham (grabación en vivo, 1967 / editado 2025)

Versiones en directo de la composición por su propio autor, con Paul Chambers al bajo en la sesión. 

4. Blue Bossa – McCoy Tyner (1991)

El pianista McCoy Tyner graba el tema en su propio disco Blue Bossa con Avery Sharpe al contrabajo. 

5. Blue Bossa – New York Unit (1990)

Disco grabado en Japón del grupo con Richard Davis en contrabajo y una versión de Blue Bossa como tema de apertura. 

6. The Big 3 (1975) – Milt Jackson, Joe Pass & Ray Brown

Incluye una versión de Blue Bossa con Ray Brown sólido al contrabajo (muy recomendada para escuchar el papel del bajo). 

BLUE BOSSA

Vi Wilson

 

Nacida y criada en Los Ángeles, Violet “Vi” Wilson fue bajista, pianista, vocalista y  maestra barbera. Tocó brevemente con International Sweethearts of Rhythm y Frances Grey’s Queens of Swing, así como con otros importantes grupos femeninos que surgieron en Los Ángeles. De 1976 a 1977 cantó con el Coro Interdenomination, que realizó giras por Israel, Jordania y otros lugares. En 1996, Wilson conversó con la profesora de música y autora D. Antoinette Handy.

Vi Wilson fue bajista de muchas bandas exclusivamente femeninas de la década de 1940, incluidas Darlings of Rhythm y Lipstick Traces 

Mientras todavía estaba en la escuela secundaria, Vi Wilson fue uno de los dos afroamericanos de la All City Orchestra, formada por los músicos estudiantes más prometedores de Los Ángeles. Tocó junto a músicos tan talentosos como Melba Liston, Clora Bryant, Doris Jarrett, Minnie Hightower, Dexter Gordon en una banda mixta de WPA liderada por la baterista y profesora de música Alma Hightower 

Mientras tocaba el contrabajo para los Darlings of Rhythm a fines de la década de 1940, Wilson realizó giras y tocó predominantemente para hombres audiancesn. Wilson habla de su experiencia de giras y sesiones de improvisación que fácilmente se convertirían en batalla-de las bandas. En “Telling Performances: Jazz History Remembered and Remade by the Women in the Band”, Wilson declaró: “Chicos, en aquellos días, tenían una competencia entre los Sweethearts y los Darlings. Pero los Darlings podían jugar. Chico, lo conseguiríamos en sesiones de improvisación con ellos como en cualquier ciudad en la que estuviéramos. El fellas, fue una novedad to que vengan a ver jugar a estas chicas. Dijeron: Esas chicas tocan como hombres

Wilson pasó de los Sweethearts a los Darlings of Rhythm. Su prima era Gurthalee Clark, Se unió a los Darlings a finales de 1945 o principios de 1946 .  Vi Wilson continuó su carrera musical cuando comenzó a trabajar para Estados Unidos. El servicio postal agrega un bajo eléctrico para adaptarse a la gama de material popular cubierto por combos como el Kristell .

International Sweethearts of Rhythm

GARY KARR

El 16 de julio de este año  2025, ha fallecido uno de los grandes responsables contrabajistas de este siglo donde cabe destacar su gran papel como instrumentista y en la pedadogia y la difusión de este instrumento por todo el mundo. 

Nacido en 1941 en Los Ángeles, California, virtuoso del bajo y pionero Gary Karr estudió en el Universidad del Sur de California y el Escuela Juilliard, donde entre sus mentores se encontraban Herman Reinshagen y Stuart Sankey.

Karr era conocido por su expresión profunda y técnica fluida en el bajo, y su especialización en funciones como bajo solista. Gary Karr es mundialmente conocido por su virtuosismo en la música clásica y barroca para contrabajo, empezó su carrera tocando jazz.Tocaba jazz en clubes nocturnos de Nueva York… en secreto.

Por las noches, se escapaba a locales de jazz como sideman o solista con su contrabajo. Improvisaba, experimentaba con armonías, swing, y hasta slap bass.muchos atribuyen su fraseo tan melódico al hecho de que imitaba cantantes de jazz y ópera, más que seguir solo las partituras al pie de la letra.Esto lo llevó a:Usar portamenti (deslizamientos de una nota a otra) como haría un tenor o una soprano.

Modificar levemente el tempo para “respirar” entre frases, algo que no es común en versiones ortodoxas.Tratar cada línea musical como una oración o historia, no solo un ejercicio técnico.

El fraseo melódico de Gary Karr: como si el contrabajo cantara El fraseo melódico de Gary Karr: como si el contrabajo cantara En lugar de simplemente tocar las notas como están escritas, Karr añadía respiración, rubato, legato y articulaciones que imitan la voz humana.

Se inspiraba en cantantes líricos (ópera, lied alemán, spirituals) y cantantes de jazz para moldear el sonido.

Escuchaba constantemente a Dietrich Fischer-Dieskau, Maria Callas, Ella Fitzgerald, entre otros, para aprender cómo construir una línea melódica expresiva, no mecánica.

En 1967 fundó el Instituto Internacional de Bajo de Cuerda, que desde entonces se ha convertido en el aclamado Sociedad Internacional de Bajistas (ISB), creando una comunidad de bajistas de todos los niveles y habilidades.

A lo largo de sus décadas de carrera, Karr tocó con docenas de orquestas importantes de todo el mundo, estrenó y encargó obras para bajo y grabó más de 90 álbumes.

Fue pionero en transformar el contrabajo en un verdadero instrumento solista, impartiendo clases magistrales sobre interpretación solista en Juilliard, el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, la Escuela Hartt, la Universidad de Yale, entre muchos otros alrededor del mundo.

En 2001, se retiró de los conciertos después de una carrera de 40 años, pero se mantuvo activo en la comunidad del bajo.

Gary falleció el 16 de julio tras sufrir un aneurisma cerebral. Le acababan de diagnosticar un cáncer agresivo e inoperable. 

Su gran avance se produjo en 1962, cuando apareció como solista en la serie de Conciertos para Jóvenes televisada a nivel nacional de Leonard Bernstein”, explica la ISB. “Cuando se le ofreció la oportunidad de interpretar ‘El elefante’ del Carnaval de los animales de Saint-Saëns, Gary insistió en interpretar ‘El cisne.

Recomendado todos los videos de Gary karr dc school .

Gary Karr - Kol Nidrei (Max Bruch) for Double Bass

La historia de Gary Karr y el contrabajo de Serge Koussevitzky

Cuando Gary Karr tenía apenas 20 años, fue invitado a tocar en el legendario programa de televisión estadounidense "Young People's Concerts" con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, dirigida por nada menos que Leonard Bernstein. Este fue su debut ante un público masivo, transmitido por televisión a millones de personas.

Después de esa actuación, la viuda de Serge Koussevitzky, Olga Koussevitzky, que estaba en la audiencia, quedó profundamente conmovida por su talento. Serge Koussevitzky fue un famoso contrabajista, director y compositor ruso, una leyenda del instrumento. Su contrabajo personal era un Amati de 1611, uno de los más finos del mundo.

 La gran sorpresa fue cuando días después, Olga Koussevitzky contactó a Gary Karr y le dijo algo completamente inesperado:

“Mi esposo siempre soñó con que su contrabajo siguiera tocando con amor y pasión, en manos de un gran artista. Estoy convencida de que tú eres ese artista Y entonces…

¡Le regaló el contrabajo Amati de 1611 de Serge Koussevitzky!

Gary Karr usó ese contrabajo durante la mayor parte de su carrera. En 2004, lo donó al International Society of Bassists (ISB) para que futuros contrabajistas puedan tocarlo también.

Discografía destacada de Gary Karr

Título	Año / Fecha aproximada	Discográfica / lugar de publicación	Comentarios / Notas
The World of Gary Karr	~1995	Japón: Firebird	álbum que recoge varias piezas
Forgotten Baroque Masterpieces	2015	Amati Productions, Victoria, B.C.	obras barrocas menos conocidas
Remembering Arla	2014	Amati Productions, Victoria, B.C.	dedicado a “Arla” (nombre personal)
Gary Karr’s Lyrical Favorites	2003	Tokyo: Firebird	obras líricas, piezas populares arregladas para contrabajo solo
Melodic Pastiche	2013	Amati Productions, Victoria, B.C.	mezcla de estilos, arreglos propios
Dear Madeleine: The ISB Sessions, Vol. 1	2013	International Society of Bassists	grabaciones de sesiones de ISB
European Baroque Masters in London / Handel, Barthélemon	2013	Urlicht AudioVisual	baroque inglés principalmente
Bassically Telemann	2009	Amati Productions, Victoria, B.C.	piezas de Telemann para contrabajo
Poetic Schumann at 39 / Robert Schumann	2007	Amati Productions, Victoria, B.C.	interpretaciones de Schumann
Japanese Sentiments	2007	Amati Productions	temas japoneses / inspirados en Japón
Hats off: to Koussevitsky, Dragonetti, and Paganini	2007	Amati Productions	homenaje a grandes contrabajistas/compositores relevantes para el instrumento
Gary Karr plays double bass	2007	Classic Records, EE.UU.	solo contrabajo, repertorio variado
Super Double‑Bass: The Artistry of Gary Karr	2004	Japón: Lasting Impression Music	recopilatorio / álbum de exhibición técnica
En Aranjuez con tu amor (con Harmon Lewis)	2006	King Records, Japón	piezas con color español/lírico
Organically Bass	2003	Amati Productions	álbum con un enfoque más personal en sonido natural del contrabajo
Dreaming: Songs of Lori Laitman	2003	Albany Records, EE.UU.	colaboraciones con compositor contemporáneo Lori Laitman
Songs Without Words / Mendelssohn	2003	Amati Productions, Victoria, B.C.	adaptaciones para contrabajo de piezas líricas de Mendelssohn
Brown Soft Shoe	2004	Amati Productions	título curioso (“zapato suave marrón”) — es un álbum más libre en elección de obras
Ave Maria	~1995	Tokyo: Firebird	colección de piezas de carácter religioso/popular
The King of Bass	1999	King Records (Japón)	título que resalta su posición como referencia en el instrumento
The London Double Bass Sound	1999	Cala Records, Londres	colaboraciones / selección particular de obras británicas
Gary Karr plays Japanese Songs II	1999	Firebird, Tokio	segunda parte de su exploración de repertorio japonés
We Wish You a Merry Christmas	~2001	King Records (Japón)	álbum navideño en parte
Three Sonatas for Viola da Gamba and Piano / Bach	2000 / 2001	Amati Productions / King Records ?	adaptaciones de Bach, viola da gamba & piano además de contrabajo
Virtuoso Works for Double Bass / Grieg, Josephs, etc.	~1995	Australia: ABC Classics u otra discográfica clásica	obras de virtuosismo para contrabajo solo o contrabajo con orquesta pequeña
Music for Shakespeare’s Romeo & Juliet	1998	Citadel Records, EE.UU.	música inspirada en/para la obra de Shakespeare, arreglos varios

Johnny Miller

 

Johnny Miller (Bass) from 1947.

Febrero 24, 1915 en Pasadena (USA) . Julio 19, 1988 en Los Angeles (USA).

Johnny Miller contrabajista contratado por Nat King Cole para trabajar con el King Cole Trio en 1943.

Grupos:Ray Charles Trio, The Just Jazz All Stars, The Nat King Cole Trio.

Alrededor de la época de la Segunda Guerra Mundial, Príncipe Wesley abandonó el trío. Red Callendar reemplazó algunas grabaciones hasta que Miller se unió como miembro permanente del trío. Tocó en las grabaciones más populares del grupo, aportando un sólido trabajo de bajo y uniéndose a las voces del grupo durante algunos números. Se fue en 1948, un año después de la partida de Oscar Moore. 

Breezy & The Bass - Nat King Cole Trio 

Hornful Soul - Ray Charles 1961

Beverly Peer

 

Beverly Peer (7 de octubre de 1912 – 16 de enero de 1997).

Peer tocó el piano profesionalmente al principio de su carrera antes de pasarse al contrabajo. Trabajó con Chica Webb de 1936 a 1939 y continuó tocando en la orquesta bajo la dirección de Ella Fitzgerald. En 1942 se incorporó Sabby LewisLa orquesta de. También trabajó extensamente como acompañante para vocalistas como Sarah Vaughan, Lena Horne, Johnny Mathis, y Barbra Streisand. En las décadas de 1950 y 1960 trabajó con pianistas Bárbara Carroll y Ellis Larkins, y trabajó con Bobby corto desde la década de 1970 hasta la de 1990, actuando a menudo en el Café Carlyle en Ciudad de Nueva York.

Se le puede escuchar en Ella Fitzgeraldel lanzamiento de "Ella Sings, Chick Swings",y  grabaciones de Ella y la Chick Webb Orchestra.

Acompañando a Booby Short  Café Carlyle in 1965

Live at Cafe Carlyle

Larry Grenadier

 

A los 12 años, Grenadier comenzó a estudiar formalmente el bajo acústico, aprendiendo de los bajistas de jazz locales Chris Poehlor, Paul Breslin y Frank Tusa y más tarde los bajistas clásicos Michael Burr y Stephen Tramontozzi. A los 16 años, Grenadier tuvo una intensa carrera tocando en el área de la Bahía de San Francisco, tanto con músicos locales como con aquellos que viajaban por la ciudad y necesitaban un bajista. Entre estos músicos se encontraba Harvey Wainapel, Bobby Hutcherson, Joe Henderson, Larry Vuckovitch, Eddie Henderson, Bruce Forman, Eddie Marshall, Vince Lateano, Cables George, Donald Bailey, Toots Thielmans, Johnny Griffin, Charles McPherson, y Frank Morgan, entre otros.

Después de graduarse de Stanford, Grenadier se mudó a Boston para jugar con un vibrafonista Gary Burton. En 1991 se mudó a Nueva York. Continuó colaborando con algunos de los músicos que había conocido durante su estancia en Boston, como Kurt Rosenwinkel, Josué Redman, Marco Turner, Jorge Rossy, y Chris Cheek. Otros que conoció por primera vez en Nueva York incluyen: Bill Stewart, Kevin Hays, Renée Rosnes, Ralph Moore, Billy Drummond, Danilo Pérez, David Sánchez, Tom Harrell, y Billy Hart. El granadero continuó su asociación con Joe Henderson, de gira con su banda, que en ocasiones incluía Al Foster, Renée Rosnes, y Larry Willis. También pasó unos meses durante sus primeros años en Nueva York tocando en Betty CarterLa banda de.

A principios de la década de 1990, Grenadier conoció y tocó por primera vez con un pianista Brad Mehldau. Se unió al trío de Mehldau con el baterista Jorge Rossy; juntos, realizaron giras y grabaron durante más de diez años. Rossy fue reemplazado por el baterista Jeff Ballard en 2004.

Grenadier también ha trabajado con el guitarrista Pat Metheny, con quien realizó giras como trío junto a baterista Bill Stewart. Él atribuye sus experiencias de gira con el trío de Metheny como una experiencia de aprendizaje significativa.

Grenadier también ha tocado con John Scofield, Hudson (un proyecto colaborativo con Jack DeJohnette, John Medeski y John Scofield), Charles Lloyd, Chris Potter, Billy Higgins, Michael Brecker, y Pablo Motian, entre muchos otros. En 2014, Grenadier colaboró con Stefano Bollani en el álbum Jeque yer Zappa.

Es miembro de VOLAR, un trío que incluye baterista Jeff Ballard y saxofonista tenor Marco Turner. Han grabado tres álbumes aclamados por la crítica. También realiza giras y graba con su esposa, cantautora Rebeca Martín. Un álbum de bajo solista histórico Las espigadoras Fue emitido por el sello ECM en 2019

Blues F

Larry Granadier Emmet Cohen

Bass line with Cohen

Talking Technique

Wilbur Ware

 

     Wilbur Bernard Ware (8 de septiembre de 1923 – 9 de septiembre de 1979) 

Fue el contrabajista habitual de la Riverside sello discográfico en la década de 1950, y grabó regularmente en esa década con Johnny Griffin, Kenny Dorham, Kenny dibujó, y Monje Thelonious. También apareció en discos publicados por JR Monterose, Toots Thielemans, Sonny Clark, Tina Brooks, Sims Zoot, y Subvención Verde, Ware.

 Creció en Chicago, donde aprendió a tocar la batería, el banjo y el contrabajo mientras tocaba en la iglesia. En la década de 1940 trabajó con Cosas de Smith, Sonny Stitt, y Roy Eldridge. Grabó con Sol Ra a principios de la década de 1950.Más tarde, en la década de 1950, al establecerse en la ciudad de Nueva York, Ware jugó con Eddie Vinson, Arte Blakey, y Amigo DeFranco.

Su único álbum grabado como líder y lanzado durante su vida fue El sonido de Chicago, desde 1957 cuando trabajó para Riverside.Hizo álbumes instructivos de jazz para Music Minus One. En 1958, Ware fue uno de los 57 músicos de jazz que aparecieron en la fotografía Un gran día en Harlem.

Ware era miembro de la Monje Thelonious Cuarteto de 1957 a 1958. También actuó y grabó en 1957 con el Sonny Rollins Trío en el Vanguardia del pueblo. Ware, en gran medida autodidacta, tenía un enfoque poco ortodoxo pero muy único y percusivo del contrabajo.

La adicción de Ware a los narcóticos provocó su regreso a Chicago en 1963 y luego un período de encarcelamiento. Estuvo inactivo musicalmente durante unos seis años.En 1969, Ware tocó con Clifford Jordán, Elvin Jones y Sonny Rollins.Murió de enfisema en Filadelfia, Pensilvania, en 1979

Wilbur Ware hay que prestar atención al icónico solo de un coro en “Softly, As in a Morning Sunrise”, grabado en vivo en 1957 en Village Vanguard con Sonny Rollins y Elvin Jones.melodía, usándola como base Wilbur toca frases fuertes, seguras y con gran forma, sin enfatizar nunca demasiado el swing de las corcheas. Sus líneas son relajadas y fáciles, dejando espacio entre ideas hasta que decide desarrollarlas, con un uso del espacio donde crea tensión y liberación.

Su frase de llamada y respuesta hace que el solo parezca conversacional , junto a sus audaces elecciones rítmicas añaden emoción sin sentirse nunca apresurado.Un buen fraseo donde no se trata de habilidades sino de claridad, confianza y musicalidad.

                                              Solo Softly, As In A Morning Sunrise

                     solo from Sonny Rollins Trio's A Night at the "Village Vanguard" album

The Man i Love

Como líder.

El sonido de Chicago con Johnny Griffin (Riverside, 1957)

Súper bajo (Instituto Wilbur Ware, 2012) – Con Clifford Jordan. Grabado para Strata-East en 1968, pero no lanzado durante más de 40 años

Como acompañante.

Con Arte Blakey

Originalmente (Columbia, 1982) 

Con Tina Brooks

El juego de la espera (Nota Azul, 1961)

Con Sonny Clark

Marque "S" para Sonny (Nota azul, 1957)

Con Walt Dickerson

Cuéntanos sólo las cosas bellas (Whynot, 1975)

Walt Dickerson 1976 (Whynot, 1976) 

Con Kenny Dorham

 2 trompetas / 2 ritmos (Riverside, 1957)

Con Kenny 

Una exhibición de Harry Warren (Judson, 1957)

Una exhibición de Harold Arlen (Judson, 1957)

Amo a Jerome Kern (Riverside, 1957)

Esto es nuevo (Riverside, 1957)

Pal Joey (Riverside, 1957)

Con Mateo Gee

Jazz de Gee (Riverside, 1956)

Con Subvención Verde

Recordando (Nota azul, 1961)

Con Johnny Griffin

Johnny Griffin (Argo, 1956)

Sexteto de Johnny Griffin (Riverside, 1958)

¡Fuera! (Riverside, 1958)

Con Ernie Henry

Presentando a Ernie Henry (Riverside, 1956)

Siete estándares y un blues (Riverside, 1957)

Último coro (Riverside, 1956–57)

Con Clifford Jordán

Jenkins, Jordan y Timmons (Prestige, 1957)]

Hora de inicio (Jazzland, 1961)

En el mundo (Estrato-Este, 1969 [1972])

Recordándome a mí mismo (Musa, 1977)

Con Herbie Mann

El jazz que escuchamos el verano pasado (Saboya, 1957)

Con Mitchell azul

6 grandes (Riverside, 1958)

Con Hank Mobley

Hank (Nota azul, 1957)

Con Charles Moffett

El regalo (Saboya, 1969)

Con Monje Thelonious

Thelonious mismo (Riverside, 1957)

La música del monje (Riverside, 1957)

Mulligan conoce a Monk (Riverside, 1957)

Monje Thelonious con John Coltrane (Tierra de jazz, 1961)

Con J. R. Monterose

J. R. Monterose (Nota azul, 1956)

Con Lee Morgan

Lee Morgan ¡En efecto! (Nota azul, 1956)

Con Cecil Payne

Zodiac (Estrato-Este, 1973)

Con Rita Reys

La genial voz de Rita Reys (Columbia, 1956)

Con Sonny Rollins

Noche en el Village Vanguard (Nota azul, 1958)

Con Sims Zoot

¡zoot! (Riverside, 1956)

Con Toots Thielemans

¡El hombre muerde la armónica! (Riverside, 1958)

Bjørn Kjellemyr

 

Contrabajista noruego, que ha fallecido el 9 de agosto de 2025.Durante su carrera, colaboró con algunas de las figuras más importantes del jazz escandinavo y mundial: Terje Rypdal, Jan Gunnar Hoff, Jon Eberson, Bugge Wesseltoft, y leyendas internacionales como Chet Baker o Pat Metheny. Pero más allá de los nombres, lo que distinguía a Kjellemyr era su capacidad de adaptación: podía tocar con intensidad eléctrica o desaparecer suavemente en el tejido de una balada. Su contrabajo no era solo un instrumento rítmico, sino un narrador en segundo plano, lleno de matices.

• Nombre completo: Bjørn Arvid Kjellemyr 

• Fecha de nacimiento: 4 de diciembre de 1950 

• Lugar de nacimiento: Bamble, Telemark, Noruega 

• Fallecimiento: 9 de agosto de 2025, Oslo, Noruega 

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Formación y primeros pasos

• De joven tocó el bajo eléctrico en bandas de rock en la zona de Skien, Telemark. 

• Durante esos años tuvo interés creciente por el jazz; colaboró con el pianista Rune Klakegg y tocó en la Big Band y en el Cuarteto de Guttorm Guttormsen. 

• Hizo estudios en la Norwegian Academy of Music (Norges Musikkhøgskole) en Oslo, entre 1974‑1978.

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Carrera profesional

• Entre 1978 y 1980 vivió en Bergen, Noruega, donde fue parte de la Bergen Philharmonic Orchestra (Musikselskabet Harmoniens Orkester). También tocó en esos años con el Dag Arnesen Trio y Sextet, y con el Cuarteto Søbstad/Arnesen.

• Regresó a Oslo después de ese periodo y participó en numerosos proyectos tanto en jazz como en otros géneros.

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Colaboraciones destacadas

Bjørn Kjellemyr tocó junto a muchos de los músicos más reconocidos, tanto en Noruega como internacionalmente:

• Noruegos: Terje Rypdal & The Chasers (una colaboración de largo aliento) 

• También con Jon Eberson, Knut Riisnæs, Audun Kleive, Bugge Wesseltoft, Jan Gunnar Hoff, Ketil Bjørnstad, Dag Arnesen, etc. 

• Internacionalmente con músicos como Chet Baker, Joe Henderson, Pat Metheny, Mike Stern y otros. 

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Estilo y aportaciones

• Fue versátil: tocaba contrabajo acústico y bajo eléctrico, dependiendo del ambiente musical. 

• Tenía una reputación por su tono profundo, su sentido del groove, su adaptabilidad, y por ser un músico con mucha musicalidad, capacidad de acompañamiento, así como de solista o improvisador. 

• Innovó también cruzando géneros: participó en proyectos que combinaban jazz con música de ambiente, música folk/nórdica, música temprana/barroca, y estilos de canción (“visesjangeren”) noruega. 

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Docencia

• A partir de 2005 fue profesor asociado (“førsteamanuensis”) en la Norwegian Academy of Music, en el departamento de jazz e improvisación. 

• Fue una influencia para muchas generaciones de bajistas y músicos jóvenes en Noruega. 

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Premios y reconocimientos

• Fue elegido Jazz Musician of the Year (Músico de Jazz del Año) por la Asociación Noruega de Músicos de Jazz en 1990. 

• Ganó el Buddy‑prisen en 1994, uno de los premios más prestigiosos del jazz noruego. 

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Legado y últimos años

• Se le recuerda no solo por sus grabaciones y actuaciones, sino por su generosidad como colega, mentor, y por la profundidad con que vivía la música. 

• En sus últimos años su actividad se vio reducida por enfermedad.

• Dejaba tras de sí un extenso repertorio grabado, un rol clave en la escena jazzística noruega, y una huella en quienes lo conocieron o trabajaron con él. 

Concierto donde acompaña con  el contrabajo y el bajo eléctrico.

terje rypdal blue

DAVE YOUNG

 

Dave Young empezó como guitarrista de jazz Lenny Breau en conciertos locales antes de estudiar música en Colegio de Música Berklee y el Real Conservatorio de Música en la década de 1960. Estuvo en varias canadienses orquestas sinfónica en la década de 1970 y trabajó extensamente en jazz con Kenny Barron, Gene DiNovi, Wray Downes, Tommy Flanagan, Oliver Jones, y Oscar Peterson.

Satin Doll (1988)

Have Yourself a Merry Little Christmas bass line

Eugene Wright

Eugene Wright, apodado The senator ("el senador"), (Chicago, 29 de mayo de 1923 - Los Ángeles, 30 de diciembre de 2020

Eugene "Gene" Wright formó parte del cuarteto clásico de Dave Brubeck durante la década de 1950 y 1960, junto con:Dave Brubeck – piano Paul Desmond – saxofón alto Joe Morello – batería ,Eugene Wright – contrabajo

Este cuarteto es especialmente famoso por su álbum "Time Out" (1959), que incluye temas icónicos como "Take Five" y "Blue Rondo à la Turk". Wright fue una figura clave en el sonido del grupo, proporcionando una base sólida y rítmica que permitió las exploraciones métricas poco convencionales del cuarteto.

 ugene Wright fue también uno de los pocos afroamericanos en un grupo de jazz blanco prominente en esa época, lo que tuvo un impacto social importante durante la era de la lucha por los derechos civiles en EE.UU.Wright acompañó muchos otros reconocidos jazzistas, incluyendo a Count Basie, Charlie Parker, Billie Holiday, Carmen McRae, Buddy DeFranco, Cal Tjader, Kai Winding, Karen Hernandez, Sonny Stitt, Gene Ammons, Dottie Dodgion, Lee Shaw, Dorothy Donegan y Monty Alexander.

Basically Wright , es un libro de sus composiciones para bajo publicado por Hansen.

Take 5

Dave Brubeck Quartet - BBC Jazz 625 (1964)

Christian Lee McBride

 

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Christian Lee McBride (31 de mayo de 1972)  nació  en Filadelfia, Pensilvania. Su padre, Lee Smith y su tío Howard Cooper eran conocidos contrabajistas de Filadelfia fueron sus  mentores, empezó con el bajo eléctrico, y luego paso a tocar el contrabajo formandose en Juilliard School.​

Considerado como un virtuoso del contrabajo en el jazz ,es uno de los mejores músicos de su generación; ha aparecido en más de 300 registros como sideman y ganador en ocho ocasiones de un Grammy.

McBride como joven prodigio se unió al grupo del saxofonista Bobby Watson a la edad de 17 años. De los 17 a los 22 acompaño a Watson, Freddie Hubbard, Benny Golson, Milt Jackson, J.J. Johnson y Hank Jones y también de músicos de su generación como Roy Hargrove, Benny Green y Joshua Redman. 

En 1996 el bajista de jazz Ray Brown formó un grupo llamado "SuperBass" con McBride y su protegido John Clayton. El grupo publicó dos CD: SuperBass: Live at Scullers (1997) y SuperBass 2: Live at the Blue Note (2001).

McBride fue miembro del Cuarteto de Joshua Redman en los años 90 con el pianista Brad Mehldau y el batería Brian Blade. En 1995 McBride empezó dirigir sus propios grupos propios después de publicar su álbum de debut Gettin' To It (Verve). El saxofonista Tim Warfield, los pianistas Charles Craig y Joey Calderazzo y los baterías Carl Allen y Greg Hutchinson fueron algunos de los músicos que participaron en sus primeros grupos. De 2000 a 2008, McBride lideró el grupo, "The Christian McBride Band" con el saxofonista Ron Blake, el pianista Geoffrey Keezer y el batería Terreon Gully. La banda publicó los álbumes Visión Vertical (Warner | 2003) y su Live at Tonic, conjunto de tres CD de 2006.

En 2006, McBride fue nombrado al puesto de "Silla Creativa para Jazz" en Los Ángeles Philharmonic, tomando el relevo de Dianne Reeves. Estuvo 4 años en el puesto siendo sustituido por Herbie Hancock en 2010.McBride actuó con Sonny Rollins y Roy Haynes en el Carnegie Hall el 18 de septiembre de 2007, en la conmemoración del 50.º aniversario de la primera actuación allí de Rollins.

En 2008, McBride se unió a John McLaughlin, Chick Corea, Kenny Garrett y Vinnie Colaiuta en un supergroupo llamado la Five Peace Band. Publicaron un CD en febrero de 2009 y completaron su gira mundial en mayo de aquel año. El CD Five Peace Band Live ganó en 2010 el Grammy Award para Best Jazz Instrumental Album, Individual or Group

En 2011 McBride publica su primer álbum de big band, The Good Feeling, por el cual gana el Grammy para Best Large Jazz Ensemble Performance.

En marzo de 2016, McBride fue nombrado director artístico del Newport Jazz Festival, sucediendo al fundador del festival y director artístico, George Wein.

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 LIVE

R.MALONE MC.BRIDE B.GREEN

LIVE 63 EMMET COHEN

BILL LEE

William James Edwards Lee III (Snow Hill, Alabama, 23 de julio de 1928-Nueva York, 24 de mayo de 2023

Uno de los grandes referencias para los contrabasjistas y compositor estadounidense.

Compuso la música original para muchas de las películas de su hijo, incluyendo She's Gotta Have It (1986), School Daze (1988), Do the Right Thing (1989) y Mo' Better Blues ,dirijió el álbum de 1980 The New York Bass Violin Choir.

Colaboró con:

John Lee Hooker: The Folk Lore of John Lee Hooker (Vee-Jay, 1961)

Ray Bryant: Con Alma (Columbia, 1960); Dancing the Big Twist (Columbia, 1961)

Aretha Franklin: Aretha: With The Ray Bryant Combo (1961)

Chris Anderson: My Romance (Vee-Jay, 1960), Inverted Image (Jazzland, 1961)

The Descendants of Mike and Phoebe: A Spirit Speaks (Strata-East)

The Brass Company: Colors (Strata East)

Aretha Franklin: The Tender, the Moving, the Swinging Aretha Franklin (1962)

Stanley Cowell: Regeneration (Strata-East, 1976)

Simon & Garfunkel: Wednesday Morning, 3 A.M. (1964)

Richard Davis: The Philosophy of the Spiritual (Cobblestone, 1971), Fancy Free (Galaxy, 1977), Harvest (Muse, 1977)

The Warm Voice of Billy "C": Where have you been Billy Boy (Strata East)

José Feliciano: The Voice and Guitar of José Feliciano (1965)

John Handy: No Coast Jazz (Roulette, 1960)

Clifford Jordan: Glass Bead Games (Strata-East, 1974); The Adventurer (Muse, 1978)

Tom Rush: Tom Rush (1965)

Chuck Loeb and Andy LaVerne: Magic Fingers (DMP, 1989)

Tom Rush: Take a Little Walk with Me (1966)

Peter, Paul & Mary: Album (Warner Bros.)

Harold Mabern: A Few Miles from Memphis (Prestige), Rakin' and Scrapin' (Prestige)

The New York Bass Violin Choir: The New York Bass Violin Choir (Strata-East)

Pat Martino: Starbright (Warner Bros., 1976)

Ian and Sylvia: First Ian & Sylvia Album

Johnny Griffin: Change of Pace (Riverside, 1961)

Gordon Lightfoot: Lightfoot! (United Artists, 1966)

Michael Bloomfield: From His Head to His Heart to His Hands (Sony Legacy, 2014)

           Mo' Better Blues

Pasajes Orquestales Para Contrabajo

 Pasajes orquestales para contrabajo de la mano del propio autor, Damià Arenas.

ESTUDIO PASAJES ORQUESTRA CONTRABAJO  

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STRINGS ELECTRIC BASS

  

Lista de bajistas con las  cuerdas  y calibres que utilizan ,el uso mas habitual son calibres más ligeros a medianos.

Andrés Rotmistrovsky. La Bella Nylon negro.Set para 5 cuerdas con C agudo 028 y .032 en general 040–.060–.075–.095 (o .045 en vez de .040 con más cuerpo).

Hadrian Feraud: En su Mayones Jabba HF 5‑string (modelos antiguos “antique brown” y “sherwood green”), usa un juego de cuerdas Elixir Nickel Plated Steel Nanoweb calibre .040–.060–.075–.090–.135.

Matt Garrison:Fodera Imperial 5 (modelo Matt Garrison) viene con un juego de cuerdas High C calibradas .040 – .060 – .080 – .100 – .120.

Mark King: 30-50-70-90  Rotosound Funkmaster (Superwound 606F / FM66):

King emplea un juego de cuerdas extra‑ligeras de acero inoxidable, fabricadas específicamente por Rotosound para él. El set típico tiene calibres .030 – .050 – .070 – .090 (ligero arriba, medio‑bajo abajo)Son de tensión muy ligera, ideales para rapidez y agilidad en el slap.

Marcus Miller: 45-65-80-105-130 (5 strings)Marcus utilizaba un juego de cuerdas D'Addario XL 170 con calibres .045 – .065 – .080 – .100, tal como él mismo confirmó tras consultar directamente al fabricante,posteriormente adoptó las DR Fat Beams, un modelo de cuerdas de acero inoxidable desarrollado por DR Strings, desde 2015, Marcus cambió oficialmente a las Dunlop Marcus Miller Super Bright. Se trata de cuerdas de acero inoxidable de tensión media‑baja, .045 – .065 – .085 – .105 – .125

Victor Wooten: 40-55 -75 -95.Victor Wooten utiliza las cuerdas DR Strings Pure Blues con aleación Quantum‑Nickel y núcleo redondo. Este set signature (modelo PBVW‑40) viene en calibre 40‑55‑75‑95 (4‑cuerdas) y está diseñado para ofrecer un tono cálido, con cuerpo, definición en medios y agudos brillantes y articulados

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FALSE SLAP WOLF

Cuando realizamos slap en especial en las notas E y A y suenan apagadas sin punch ,hay que revisar la altura delas cuerdas si estan en relación con la curvatura del mástil 

Altura estándar de la cuerda E ,en el traste 12.

En acción media-baja: 2.0 mm a 2.5 mm desde la parte inferior de la cuerda hasta la parte superior del traste 12.

Altura para acción alta (más sustain, menos trasteo pero más difícil de tocar):  2.8 mm a 3.5 mm

Acción muy baja (requiere bajo bien ajustado y trastes nivelados: 1.8 mm a 2.0 mm

El slap suena mejor con una acción ligeramente más alta que la de un bajo para tocar con dedos, esto permite que la cuerda rebote bien sin trastear ni sonar apagada.

Algunos bajistas usan una acción de 2.5 mm en la E y van bajando hasta 2.0 mm en la G.

Altura de cuerdas o acción muy alta/baja

• Si la acción está muy alta, el slap en la E sonará apagado o sin pegada.
• Si está muy baja, puede haber trasteo o "buzz".

La madera y las fases lunares

 

Las fases de la luna influyen en la densidad de la madera porque según cada fase lunar, la resina fluctúa de una manera diferente al crear sus anillos, a la vez genera una resistencia a microorganismos que la dañan con el tiempo como la humedad ,los hongos o insectos. 

Antiguamente, para conseguir  vigas de madera ,se cortaban los árboles en ciertas fases lunares para obtener una madera con una mayor dureza y resistencia especial contra elementos que la perjudican con el tiempo, como los hongos o la carcoma , estas propiedades son conservadas durante cientos de años.

• Si cortamos madera tres dias despues de la luna llena , la madera se seca rapidamente y pierde densidad con lo cual es apta como elemento combustible , pero no para construcción.