Louis Vola

 

Louis Vola fue el contrabajista que fundó el Quintette du Hot Club de France,compuesto por Django Reinhardt (g), Stephane Grappelli (v), Joseph Reinhardt (g), Roger Chaput's o Eugene Vees (g) y Louis Vola (cb).

Los fines de semana, toca la batería en las bolas de Nogent-sur-Marne o la rue de Lappe.Luego estudió acordeón y contrabajo en Yugoslavia durante 3 años. De vuelta en Francia, se conoció Django y Joseph Reinhardt dode se involucró en su orquesta del cabaret de Palm Beach en Cannes en 1931.

Hasta 1939, él va de gira con el quinteto, posteriormente acompañó a Benny Carter, Coleman Hawkins, Bill Coleman, Willy Lewis y la cantante Adelaide Hall.

Louis Vola (nacido el 6 de julio de 1902 en La Seyne-sur-Mer, Francia, murió en París el 15 de agosto de 1990).

                                  

                                                                         https://www.youtube.com/watch?v=aZ308aOOX04

SANDY BLOCK

Nació el 16 de enero de 1917 en Cleveland, EEUU, falleció en octubre de 1985.

Trabajó en las big bands de Alvino Rey 1940-1941, Tommy Dorsey 1943-1947, 1950 y Jerry Wald 1944.

Grabó con Charlie Shavers 1945, Sy Oliver 1951, 1958, Louis Armstrong 1951, 1953, 1957, Ella Fitzgerald 1951-1953, 1955, Jimmy McPartland 1955-1957 y Joe Williams 1965.

https://www.youtube.com/watch?v=4PiKHAEcEvM 

Charlie Parker & Dizzy Gillespie, "Hot House" at DuMont Television, February 24, 1952 (in color)

https://www.youtube.com/watch?v=LYrm362Yi-A

Jam Session with the Tommy Dorsey Combo 1945.

His Orchestra 1943 "Well Git It" | from "Du Barry Was a Lady"

https://www.youtube.com/watch?v=HLFUoPqkGwQ

George Duvivier

 

   Uno de los grandes Maestros Contrabajistas.

George Duvivier (Nueva York, 17 de agosto de 1920 - 11 de julio de 1985) 

Conocido principalmente como bajista, Duvivier fue uno de los mejores acompañantes de las últimas eras del swing y el bebop, respaldando a Coleman Hawkins, Bud Powell y muchos más. Más tarde, estuvo constantemente activo en los estudios de grabación de Nueva York, realizando innumerables fechas instrumentales y grabaciones con cantantes desde Frank Sinatra y Sarah Vaughan hasta Barry Manilow. George tambien fue un talentoso compositor y arreglista que escribió para Jimmie Lunceford, Sy Oliver y otros.

George Duvivier unos de los contrabajistas más respetados del jazz. Su disciplina y lectura a primera vista eran implecables ,como la adaptación en cualquier estilo musical de la época.

Participó en la película The Benny Goodman Story (1956) como contrabajista de la banda.Una de sus últimas grabaciones fue en el programa de TV de David Letterman, acompañando a Tom Waits, en 1983.

Duke Ellington Dirige The House Band in a Jazz Medley! The Dick Cavett Show

George Duvivier - Blues for Harry Carney (1984)

Pd: Recomendado todas las entrevistas  The Dick Cavett Show, en especial la que realizó a Oscar Peterson. 

RUUD JACOBS

Esta es una grabación de una sesión, donde Wes Montgomery trabaja, una nueva composición, con estos grandes músicos. Vale la pena estar atento de como acompaña Ruud Jacobs al Contrabajo a Wes Montgomery.

Todo talento.

Wes Montgomery - Guitarra.

Pim Jacobs - Piano.

Ruud Jacobs - Contrabajo.

Han Bennink - Bateria.

https://www.youtube.com/watch?v=uV0Qg0FTha8

BASS TEACHERS

 Domenico Dragonetti.

El profesor de Domenico Dragonetti fue un contrabajista italiano llamado Pietro Stefano Steffan. Steffan fue uno de los primeros grandes virtuosos del contrabajo y es conocido por haber sido el primer contrabajista de la Orquesta de La Scala de Milán. Dragonetti estudió con Steffan en Venecia y luego se convirtió en su asistente en la orquesta de la iglesia de San Marco en Venecia. Se dice que Steffan tuvo una gran influencia en la técnica y el enfoque musical de Dragonetti.

Giovanni Battista Vaňhal.

El profesor de Giovanni Battista Vaňhal fue el famoso contrabajista y compositor italiano Domenico Dragonetti. Dragonetti es considerado uno de los más grandes virtuosos del contrabajo de todos los tiempos y tuvo una gran influencia en la técnica y el repertorio del instrumento. Vaňhal fue uno de sus muchos estudiantes y se convirtió en un reconocido contrabajista y compositor en su propia carrera.

 Johannes Matthias Sperger.

Johannes Matthias Sperger, tuvo varios profesores de contrabajo a lo largo de su carrera, pero uno de los más importantes fue el famoso contrabajista italiano Giovanni Battista Vaňhal (también conocido como Jan Křtitel Vaňhal). Vaňhal fue un músico muy reconocido en su época y enseñó a muchos estudiantes de contrabajo, incluyendo a Sperger y a otros grandes contrabajistas de la época.

Antonio Capuzzi (1755-1818).

Antonio Capuzzi fue el maestro de Dragonetti ,un famoso contrabajista italiano del siglo XIX, y su maestro fue el contrabajista y compositor italiano Antonio Capuzzi (1755-1818).

Capuzzi enseñó a Dragonetti cuando era joven en la ciudad de Venecia, donde ambos vivían. Capuzzi también fue un reconocido compositor de música para contrabajo, y su Concierto para Contrabajo en Re Mayor es una obra muy conocida en el repertorio clásico del contrabajo.

Hause, Wenzel (1764 – 1847) .

– Método completo de Contrebasse, el 1er. edición 1809. Wenzel puede ser considerado con razón como el padre de la pedagogía moderna del bajo. Estuvo activo en Bohemia, Francia y otros países europeos y tuvo un gran impacto en la próxima generación de contrabajistas. Su Methode complete de Contrebasse tiene 105 páginas y fue publicado varias veces en Alemania, Francia y Estados Unidos.Wenzel (músico, nacido en Raudnitz en Bohemia hacia 1775, muerto en Praga en febrero de 1847). Recibió lecciones de música desde temprana edad y ocupó el cargo de colegial en su pueblo natal. En 1792 fue a Praga y asistió a la escuela normal allí para prepararse para un puesto como maestro de escuela en Bohemia. Pero su talento musical le abrió otros caminos; obtuvo un puesto como violinista en el Fürst Lobkowitz'schen Lorettocapelle y en el royal Teatro nacional; En 1815 fue empleado allí como el primer contrabajista y finalmente se convirtió en profesor de contrabajo en el Conservatorio de Praga. Como profesor e intérprete, H. fue excelente. Compuso varios estudios para su instrumento, pero dejó un recuerdo imborrable en su "Escuela del Contrabajo". Cuando en 1807 anunció la publicación de esta obra con prenumeración, la suma requerida para la publicación no llegó a juntarse en Praga, en esta ciudad de la música; La obra no fue publicada hasta 1809 en Dresden por Hilscher y varios años más tarde en una traducción francesa bajo el título: "Method complète de Contrebasse approuvée et adopted par la direction du Conservatoire de Musique à Prague", parte I y II (Mainz 1829, fol.). H. capacitó a varios estudiantes capaces, incluidos los Sres. Hrabé, Drechsler, Slama y Jannusch. En la vejez se jubiló y murió a la edad de 72 años.

Giovanni Bottesini.

Giovanni Bottesini recibió sus primeras lecciones de música de su padre, un clarinetista y maestro de música local. Posteriormente, estudió en el Conservatorio de Milán con Luigi Rossi, quien era un renombrado contrabajista y profesor en esa época. Rossi tuvo una gran influencia en la formación musical de Bottesini, y a menudo se lo considera como el mentor de Bottesini.

Después de graduarse del conservatorio, Bottesini se convirtió en un virtuoso del contrabajo y realizó giras por toda Europa, donde se convirtió en uno de los contrabajistas más famosos de su tiempo. También fue un compositor prolífico, escribiendo numerosas piezas para contrabajo, óperas y otras obras de música clásica.

En resumen, el profesor de contrabajo de Giovanni Bottesini fue Luigi Rossi, quien enseñó en el Conservatorio de Milán.

Pietro Stefano Steffan.

La información sobre el profesor de Pietro Stefano Steffan es un poco escasa y no está completamente clara. Se sabe que Steffan nació en Udine, Italia, en 1754 y que comenzó su carrera musical en la orquesta de la catedral de Udine. Luego, se trasladó a Venecia para estudiar con un contrabajista llamado Nicola Porpora. Sin embargo, algunos estudiosos creen que Steffan también podría haber estudiado con otro contrabajista importante de la época, Giovanni Bottesini, aunque esto no está completamente confirmado.

Nicola Porpora no fue un contrabajista, sino un famoso compositor y maestro de canto italiano del siglo XVIII. Algunos de sus alumnos notables incluyen a Farinelli, Caffarelli y el compositor Johann Adolph Hasse. Aunque no hay registros que indiquen que Porpora haya enseñado a contrabajistas, es posible que algunos músicos hayan estudiado con él para mejorar sus habilidades de interpretación musical y técnica en general.

Adolf Mišek.

Adolf Mišek, un destacado contrabajista y músico checo, tuvo varios maestros a lo largo de su carrera. Uno de los maestros más influyentes en su formación musical fue el contrabajista austriaco Franz Simandl.

Franz Simandl es conocido por ser uno de los maestros de contrabajo más importantes de la historia, y su método de enseñanza, el "Método Simandl", se convirtió en una de las técnicas pedagógicas más influyentes en la formación de contrabajistas en todo el mundo. Mišek estudió con Simandl en el Conservatorio de Viena y, al igual que muchos otros contrabajistas de su tiempo, se convirtió en uno de los principales exponentes del método de Simandl.

Además de Simandl, Mišek también estudió con otros contrabajistas notables, incluyendo a Carl Davydoff y a Joseph Klička. Carl Davydoff fue un contrabajista ruso y maestro de contrabajo en el Conservatorio de Moscú, mientras que Joseph Klička fue un contrabajista y director de orquesta checo, que también fue maestro de contrabajo en el Conservatorio de Praga.

Mišek, a su vez, también enseñó a muchos alumnos notables en su carrera como maestro de contrabajo, incluyendo al reconocido contrabajista Gary Karr.

Ludwig Manoly.

Ludwig Manoly, un reconocido contrabajista alemán, tuvo varios maestros a lo largo de su carrera. Sin embargo, no hay mucha información disponible sobre sus maestros específicos.

Se sabe que Manoly tocó en la Orquesta Filarmónica de Berlín durante su carrera musical, lo que sugiere que pudo haber estudiado con algunos de los contrabajistas más importantes de su tiempo, incluyendo a Joseph Klička y Adolf Mišek.

Joseph Klička fue un contrabajista y director de orquesta checo, y uno de los primeros grandes solistas de contrabajo. También fue maestro de contrabajo en el Conservatorio de Praga y tuvo varios alumnos notables, incluyendo a Franz Simandl, el maestro de Oskar Fiedler.

Adolf Mišek, por otro lado, fue un contrabajista checo que tocó en la Orquesta Filarmónica de Viena. También fue maestro de contrabajo en el Conservatorio de Praga y tuvo varios alumnos notables, incluyendo a Eugen Ormandy, el futuro director musical de la Orquesta de Filadelfia.

Es posible que Ludwig Manoly haya estudiado con alguno de estos maestros o con otros contrabajistas prominentes de la época. Sin embargo, no hay información disponible para confirmar esto con certeza.

Franz Simandl

Además de Manoly, Simandl también estudió con otros contrabajistas notables de la época, incluyendo a Joseph Klička y Adolf Mišek. Joseph Klička fue un contrabajista y director de orquesta checo, que también fue maestro de contrabajo en el Conservatorio de Praga. Adolf Mišek, por su parte, fue un contrabajista checo que tocó en la Orquesta Filarmónica de Viena.

Simandl, a su vez, se convirtió en un maestro influyente en su propia carrera, enseñando en el Conservatorio de Viena y desarrollando su método de enseñanza, el "Método Simandl", que se convirtió en una de las técnicas pedagógicas más influyentes en la formación de contrabajistas en todo el mundo. El método se centraba en el desarrollo de una técnica sólida de la mano izquierda y la utilización del arco en la mano derecha, para producir un sonido hermoso y uniforme.

Édouard Nanny.

Édouard Nanny tuvo varios profesores de contrabajo a lo largo de su carrera, pero uno de los más influyentes fue François Simandl. Simandl fue un contrabajista y pedagogo de origen checo que enseñó en el Conservatorio de Viena y en el Conservatorio de Praga, y es considerado uno de los fundadores de la técnica moderna del contrabajo. Nanny estudió con Simandl en Viena durante la década de 1870 y, más tarde, se convirtió en su asistente en el Conservatorio de Praga. La enseñanza de Simandl se centraba en la técnica del arco, la digitación y el uso de los dedos para tocar el contrabajo, y sus métodos todavía se utilizan en la enseñanza del contrabajo en la actualidad.

Pedro Valls (1865-1935).

Virtuoso, compositor y fundador de la escuela catalana de contrabajo, Valls fue instruido por José Rovéda, él mismo alumno de Bottesini, y a su vez por Josep Cervera-Bret, autor de más de 60 obras para contrabajo. Las experiencias de Valls con las actuaciones de Bottesini en Barcelona lo inspiraron a emular el enfoque del bel canto del maestro italiano, aunque sus obras mostraban elementos nativos españoles.

Oskar Fiedler.

Oskar Fiedler, el contrabajista y director de orquesta alemán, tuvo varios maestros a lo largo de su carrera musical. Uno de sus primeros maestros de contrabajo fue Ludwig Manoly, un contrabajista alemán que tocaba en la Orquesta Filarmónica de Berlín.

Sin embargo, el maestro más influyente en la formación musical de Fiedler fue el contrabajista alemán Franz Simandl. Fiedler estudió con Simandl en Viena durante los años 1890, donde también estudió armonía, contrapunto y composición.

Franz Simandl fue uno de los maestros de contrabajo más importantes de su época y su método de enseñanza, el "Método Simandl", se convirtió en una de las técnicas pedagógicas más influyentes en la formación de contrabajistas en todo el mundo. El método se centraba en el desarrollo de una técnica sólida de la mano izquierda y la utilización del arco en la mano derecha, para producir un sonido hermoso y uniforme.

Fiedler se convirtió en uno de los principales exponentes del método de Simandl y enseñó a muchos contrabajistas en su carrera como profesor. Además de su trabajo como maestro de contrabajo, Fiedler también se destacó como director de orquesta y fundó la Orquesta Fiedler en Berlín en 1910.

Rodion Azarjin (1931-2007).

Reconocido por sus interpretaciones y transcripciones viscerales, la destreza técnica y la innovación del virtuoso ruso ayudaron a expandir el alcance del contrabajo. Graduado del Conservatorio de Leningrado en 1954, continuó sus estudios como estudiante de posgrado en el Conservatorio de Moscú con el violonchelista Sviatoslav Knushevitsky. Su repertorio de más de 200 obras incluía sus propios arreglos de piezas instrumentales de compositores como Bach, Dvořák, Saint-Saëns, Tchaikovsky y Paganini, así como composiciones originales para contrabajo.

Serge Koussevitzky.

Serge Koussevitzky fue un contrabajista y director de orquesta ruso-francés, considerado uno de los contrabajistas más importantes e influyentes del siglo XX. Koussevitzky tuvo varios maestros a lo largo de su carrera musical, pero el más importante fue el también contrabajista ruso y director de orquesta Oskar Fiedler.

Koussevitzky comenzó sus estudios de contrabajo en San Petersburgo con el maestro Joseph Adamowski, pero fue Fiedler quien tuvo una influencia significativa en su técnica y estilo de interpretación. Koussevitzky estudió con Fiedler en Berlín a principios del siglo XX y lo consideró su "verdadero maestro" en el contrabajo.

Fiedler era un contrabajista muy respetado en Europa y un defensor del uso del arco francés en la interpretación del contrabajo. También era un director de orquesta conocido y fundó la Orquesta Fiedler en Berlín, que Koussevitzky llegó a dirigir en una de sus giras por Europa.

Después de estudiar con Fiedler, Koussevitzky se convirtió en solista de contrabajo de la Orquesta Filarmónica de Berlín y luego se trasladó a los Estados Unidos, donde se convirtió en director musical de la Orquesta Sinfónica de Boston. Koussevitzky dejó una gran huella en la interpretación del contrabajo y en la música en general, a través de sus actuaciones, grabaciones y su trabajo como director de orquesta.

Gary Karr.

Gary Karr, uno de los contrabajistas más reconocidos y respetados del siglo XX, tuvo varios maestros a lo largo de su carrera. Algunos de sus primeros maestros fueron Stuart Sankey y Herman Reinshagen en Estados Unidos. Sin embargo, el maestro más influyente en su desarrollo como contrabajista fue el legendario contrabajista francés François Rabbath.

Karr conoció a Rabbath en París en 1967, y quedó impresionado por su técnica y enfoque innovador en la enseñanza del contrabajo. Karr se convirtió en discípulo de Rabbath, y su técnica de contrabajo, que enfatiza la ergonomía y la comodidad del músico al tocar, se ha convertido en una de las más influyentes en el mundo del contrabajo.

Karr también estudió con otros maestros influyentes, como Gary Peacock y James Seay, y ha seguido enseñando y compartiendo su conocimiento con estudiantes de contrabajo de todo el mundo.

François Rabbath.

François Rabbath, uno de los contrabajistas más influyentes del siglo XX, tuvo varios maestros a lo largo de su carrera. Uno de sus primeros maestros fue su padre, Alfred Rabbath, quien también era contrabajista y le enseñó los fundamentos del instrumento desde una edad temprana.

Sin embargo, el maestro más importante en la formación musical de François Rabbath fue el contrabajista rumano Georges Enesco (1881-1955). Rabbath estudió con Enesco en París durante los años 50 y se convirtió en uno de sus estudiantes más destacados.

Enesco no solo era un virtuoso del contrabajo, sino también un compositor y director de orquesta muy respetado. Durante sus lecciones con Enesco, Rabbath aprendió técnicas y enfoques innovadores en la interpretación del contrabajo, que luego integró en su propia técnica y enfoque pedagógico.

Además de Enesco, Rabbath también estudió con otros grandes maestros de contrabajo, como Paul Tortelier y Maurice Maréchal, y ha influenciado a generaciones de contrabajistas con su enfoque único y revolucionario en la interpretación y enseñanza del contrabajo.

Stuart Sankey.

Uno de los maestros más influyentes en la formación musical de Sankey fue el contrabajista estadounidense Roger Scott. Sankey estudió con Scott en la década de 1970 mientras completaba su maestría en música en la Universidad del Norte de Texas.

Roger Scott era un contrabajista muy respetado y miembro de la Orquesta Sinfónica de Dallas. Como maestro, Scott enfatizaba la técnica y el enfoque correcto en la ejecución del contrabajo, y alentaba a sus estudiantes a desarrollar su propio sonido y estilo de interpretación.

Después de estudiar con Scott, Sankey se convirtió en profesor de contrabajo en la Universidad de Wisconsin-Madison, donde ha influido a varias generaciones de contrabajistas con su enfoque pedagógico y su enfoque en la técnica y la musicalidad en la interpretación del contrabajo.

Franco Petracchi.

El reconocido contrabajista y pedagogo Franco Petracchi recibió sus primeras lecciones de música de su padre, que también era contrabajista. Posteriormente, estudió en el Conservatorio de Parma con Arrigo Tassinari, y luego continuó sus estudios con el famoso contrabajista y pedagogo Franco Rossi.

Petracchi también se interesó en la técnica de la respiración y el yoga, y aplicó estos conocimientos en su enfoque pedagógico para ayudar a sus estudiantes a desarrollar una técnica más completa y saludable. Enseñó en varios conservatorios de Italia, incluyendo el Conservatorio de Parma, el Conservatorio de Bolonia y el Conservatorio de Milán, y también impartió clases magistrales en todo el mundo.

Además de su carrera como intérprete y pedagogo, Petracchi también es conocido por sus libros sobre técnica de contrabajo, como "Simplified Higher Technique for Double Bass" y "Complete Contemporary Techniques for Double Bass". Su enfoque pedagógico y su contribución a la técnica del contrabajo han sido muy influyentes en la formación de muchos contrabajistas profesionales en todo el mundo.

DAVID LARRY WILLIAMS

 

          David Williams

David Larry Williams nació en Woodbrook, Puerto España , Trinidad. Su padre, era John "Buddy" Williams, uno de los grandes contrabajistas de la época y uno de los directores de orquesta más conocidos de Trinidad de las décadas de 1940 y 1950.

        Buddy Williams

David comenzó a tocar música a la edad de cinco años, primero en piano, luego en violín y steelpan . Asistió a Tranquility Boys School, Puerto España, donde empezó  a los 12 años a tocar el contrabajo de forma semiprofesional. Cuando era adolescente, tocaba pan en la banda de acero de Invaders. Cuando su hermana fue a Londres Con una beca para estudiar piano, David se unió a ella allí en 1962,  estudiando bajo durante un año en el London College of Music . donde recibió ofertas y trabajos, en clubes nocturnos.

En 1982, Williams se convirtió en miembro del Cedar Walton Trio junto a Billy Higgins (a quien Williams conoció por primera vez alrededor de 1973), tras la muerte de Sam Jones.

Afternon in Paris.

En 1990 grabo con  Kenny Barron Quartet · Ralph Moore · David Williams · Lewis Nash

el disco Invitation donde realiza un fantástico solo en el clásico standard , Afternoon in Paris de John Lewis de 1949.

El acompañamiento en el tema Afternoon in Paris, es una clara construcción de Walkin Bass, donde  marca las figuras en los acordes y los cambios ,llevando el ritmo a un acompañamiento que se asocia a la melodía. 

El solo del mismo standard, es un claro ejemplo  del estilo propio del propio lenguaje del  contrabajo, a la hora de realizar un solo en el  jazz, como tantos ejemplos, así como, Paul Chambers, Sam Jones Scott LaFaro o Ron Carter entre otros.

BASS RAGTIME

El Ragtime.

Este estilo fue el más popular entre 1880 y 1910 .  Lo popularizaron los músicos negros que tenían ciertas nociones de música clásica. Al contrario de lo que sucede con el blues, el Ragtime no se improvisaba. Tenía necesidad de una partitura, el piano era el principal  instrumento, así como las muy populares pianolas.

Sus dos principales compositores de Ragtime fueron Tom Turpin (1871-1922) y Scott Joplin(1868-1917).En una entrevista de 1913 publicada en el periódico negro New York Age, Scott Joplin afirmó que había habido "música ragtime en Estados Unidos desde que la raza negra estuvo aquí, pero la gente blanca no se dio cuenta de ello hasta hace unos veinte años [en la década de 1890]".

La forma general de ragtime, tiene dieciséis compases de largo y consta de cuatro frases de cuatro compases. La característica definitoria de la música ragtime es un tipo específico de síncopa en el que se producen acentos melódicos entre los ritmos métricos. Esto da como resultado una melodía que parece estar evitando algunos tiempos métricos del acompañamiento al enfatizar notas que anticipan o siguen el tiempo.

El Ragtime se escribe en compás de 2/4. Suele comenzar con una introducción de 4 compases. En este caso, esa introducción está diseñada sobre el acorde de dominante.

La forma que tiene es: A-A-B-B-A-C-C-D-D. Por lo general, cada una de estas partes, tiene 16 compases. Esta es una forma más o menos estándar que podemos encontrar, ya que muchas de las piezas de la época presentan pequeñas variantes como una coda, usar frases de 2 u 8 compases, o suprimir alguna de las partes. 

PRINCIPALES CONTRABAJISTAS 

 John Lindsay

Contrabajista  (Nació el 23 de Agosto de 1894, New Orleans, LA - Murio el 3 de Julio en 1950, Chicago, IL).

También interpreto como trombonista durante su carrera. 

Trabajo con las formaciones de Quinn Wilson, Omer Simeon, Bud Scott, Barney Bigard, Sidney Bechet, Baby Dodds, Wellman Braud, Johnny St. Cyr, Zutty Singleton, Kid Ory, Earl Hines, Johnny Dodds.

  Jalea Roll Morton

 

Bill Johnson

Bill Johnson (10/8/1872-3/12/1971) y uno de los primeros líderes de banda en llevar el estilo de jazz de Nueva Orleans fuera de la ciudad. En 1909 era el líder de una banda en California. En 1912 envió por Freddie Keppard  y varios otros músicos de Nueva Orleans y recorrió el país hasta 1918 en el circuito Orpheum bajo el nombre de  Original Creole Orchestra . La banda era muy popular y sin duda introdujo a su público norteño al jazz por primera vez.

Johnson fue en realidad quien consiguió el concierto en el Royal Garden de Chicago, pero contrató  a King Oliver  para liderar la banda, por lo que la Original Creole Orchestra eventualmente se convirtió en  King Oliver's Creole Jazz Band , y Johnson continuó tocando el bajo en la banda hasta que el grupo se separó en 1923.

Dirigió su propia banda en Chicago durante muchos años después de eso y también tocó en algunas de  las  bandas de Johnny Dodds . Continuó viviendo y tocando en Chicago hasta la década de 1950 cuando se retiró de la música y se mudó a México. La hermana de Bill Johnson era Anita Johnson Gonzales, con quien  Jelly Roll Morton  tenía una larga historia como su amante y socia comercial. Morton afirmó que estaban casados, pero nunca se han encontrado documentos legales que respalden esta afirmación.

King Oliver's Creole Jazz Band de izquierda a derecha: Baby Dodds, Honore Dutrey, Bill Johnson, Louis Armstrong, Johnny Dodds, Lil Hardin-Armstrong y en primer plano King Oliver.

El nombre swing se aplicó más tarde a un estilo temprano de jazz que se desarrolló a partir del ragtime. Durante los años treinta, las orquestas lideradas por Benny Goodman o Glenn Miller desarrollaron un nuevo estilo, llenando las salas de baile de los Estados Unidos, donde surgió a ritmo de swing, el baile  popular del charlestón o el Lindy hop.

RAGTIME EN ESPAÑA.

Articulo de los felices años 20( https://meencantaelswing.wordpress.com/2021/03/28/el-jazz-en-espana-los-felices-anos-20/)

 La primera referencia a la nueva música la encontramos en la prensa en 1918, en la revista Mundo Gráfico de 2 de enero de 1918,  bajo el título “Notas gráficas de los Estados Unidos”, se muestra una escena casi circense: la foto de un peculiar clarinetista junto con cuatro señoritas divertidas por la escena. En el pie de foto se lee: Muchachas norteamericanas oyendo la música de la nueva danza “Jazz”, que ha venido a reemplazar al “fox-trot” y al “five-step”.A partir de ese momento se suceden las noticias que dan testimonio de la actuación de orquestas de jazz o jazz-bands.

 La primera (según recoge Faulín) hace alusión a un baile en la casa de los señores de Ribón, en su casa de Biarritz, amenizado por una jazz-band (La Época, 5-10-1919). Esta misma orquesta podría ser la que unas semanas más tarde puso música a una “souper gran moda” en el Hotel Palace de Madrid (La Época 23-10-1919).

No se sabe el nombre de la banda que actuó en casa de los Ribón o en el Hotel Palace, pero sí que, en octubre de 1919, la autóctona Orquestrina Tziganes Americana Nic-Fusly es contratada en exclusiva para actuar en la inauguración del Hotel Ritz de Barcelona. 

Esta formación, cuyo nombre obedece al nombre de sus fundadores (Gustav Nicolau, Miquel Fusellas e Isidre Pauli) es quizás la primera orquesta española en incorporar a su repertorio música de jazz -entendida en términos muy amplios-. También será la primera orquesta en grabar, tan pronto como en 1920.

Las orquestas de tziganes eran un tipo de formación típica de la década anterior y presente en toda Europa. Estaban compuestaa por dos pianos y una sección de cuerda (violines, violonchelo y contrabajo). La novedad era la adición de una batería (instrumento que en sí mismo era conocido como jazz band) y un banjo. Según Pujol Baulenas, su idea era hacer agradables y gratos al oído los entonces llamados “estridentes y disonantes” acordes de las jazz-bands.

En la Orquestrina Nic-Fusly ya figuraba como pianista y encargado del jazz-band (baterista) y de otros muchos instrumentos un jovencito Joan Durán Alemany, que adquiriría más protagonismo en años posteriores. Además de él, formaban parte de esta banda Miquel Fusellas (contrabajo y saxofón), Isidre Paulí (piano), Enrique Sanz Vila (viola y bandoneón), Santiago Margenat (violoncelo), Andreu Mogas (viola y flauta de vara), Jenaro Oltra (saxofón y clarinete), , Ramón Domínguez (contrabajo), Miquel Alfonso (segundo violín) y Gustau Nicolau i Cosson (violín y director).

Esta fue la primera orquesta española en grabar «jazz» -unos 20 temas ya en 1920, algunos fox-trot pero también valses, one-step, fado y otros géneros, todos ellos difíciles de localizar- y estuvo en activo con diferentes nombres -como The Nic-Fusly Band- hasta por lo menos 1941

Ramón Domínguez (contrabajo)

La denominación surgió de los apellidos de sus fundadores Gustavo Nicolau (director), que deshizo la Orquesta que dirigía en el Palace de Barcelona para formar la nueva, Miguel Fusellas (contrabajo y saxofón) e Isidro Pauli (piano y segundo director). Al principio constó de siete miembros que pronto se convirtieron en nueve. Además de los  tres citados, figuraba Enrique Sanz Vila (viola y bandoneón pero que también tocaba el violín el, tubofón y jazz-band), el después tan popular Juan Durán Alemany, llamado el hombre del ruido, por tener  a su cargo cuarenta instrumentos, Andrés Mogas (viola y flauta de varas), Jenaro Oltra (saxofón y clarinete), Santiago Margenat (violoncello), Ramón Domínguez (contrabajo) y, finalmente, Miguel Alfonso (2º violín). en 1907 aparece con su nueva creación:

La Nic-Fusly, con diversos cambios entre sus componentes, realizó una larga gira por Europa entre 1924 y 1929 y, tras la guerra civil, regresó al hotel Ritz pero, siguiendo la imposición de los tiempos, hubo de cambiar su nombre, que no tenía nada de extranjerizante, por el de Orquesta Nicolau, que continuaba siendo su director.

Su éxito fue tal que pronto surgieron otras formaciones ,como la nueva Orquestrina Verdura, liderada por el pianista Agustín Verdura, que incluía una corneta y un trombón.Esta orquesta también realizó grabaciones desde 1920.

Estas orquestas autóctonas surgen como imitación de las orquestas extranjeras que llegan a España vía Londres o París. El jazz incipiente era la nueva moda en toda Europa. En 1919, la Original Dixieland Jass Band -cuyas grabaciones pioneras realizadas en 1917 ya se comercializaban en España- realizó una gira de más de un año por Inglaterra. De forma similar, ese mismo año, Sidney Bechet realizó una gira por Europa con la Southern Syncopated Orchestra de Nueva York.

No se tiene constancia de que ninguna de estas dos afamadas formaciones pasasen por España, pero sí llegaron otras directamente desde París. La presencia en España de estas orquestas se debe a dos factores principales: por un lado, la atracción que ejercían lugares de veraneo de la alta sociedad en el norte de España (Santander, San Sebastián…), por otro, la enorme competencia que se daba entre las orquestas en París y, la supresión de las actuaciones en muchos locales, para evitar el pago de nuevos impuestos por los espectáculos, que se aprobaron para financiar la reconstrucción del país en la posguerra.

A partir de 1920 se multiplican las noticias sobre orquestas españolas calificadas como “jazz band”. En los primeros años de la década encontramos referencias (aunque no mucha más información) a diversas bandas:

• En Madrid la Orquesta Marchetti, la Orquesta Jazz Band White and Black, el Jazz Band Padureano o la orquesta Los Ibáñez.
• En Barcelona la citada Orquestrina Nic-Fusly en el Hotel Ritz, la Orquestrina Verdura en el Apolo Hall, la Orquestrina Tzigana de Jaime Planas o la Doré Jazz Band en el Edén Concert.

A finales de 1921 se forma la que sería una de las principales bandas de jazz activa hasta mediados de los años 40: la Demon’s Jazz Band, dirigida por toda una personalidad de la escena musical catalana, Llorenç Torres Nin, “Maestro Demon”. Esta banda, formada en el Gran Café Catalán, pronto instalaría su cuartel general en el Hollywood Dancing de Barcelona. Su primera grabación fue el tema “Demon Jazz”, pero a lo largo de la década registraron bastantes discos, con canciones de géneros muy variados: fox, pasodoble, charlestón, chotis.

El Maestro Demon, de origen menorquín, era pianista y compositor, de los primeros en escribir arreglos eminentemente jazzísticos, lo que le supuso el apodo de «Rey del Jazz-Band» y de «Paul Whiteman español”. Fue una importante figura en la escena musical, como pianista, como compositor y como productor de espectáculos durante casi 50 años.

A finales de los años 20 surgen otras orquestas, lideradas por músicos que tendrían protagonismo en la década siguiente. Es el caso de Martín Lizcano de la Rosa, y sus Crazy Boys; de Joan Sobré, que en 1929 formó una orquesta de jazz que sería el embrión de la orquesta Miuras de Sobré; o del violinista Sigfredo Rivera, que tocaba en la banda Six Gay Players.

También había orquestas amateurs, más modernas que las profesionales. Entre ellas la Dernier Jazz Orchestra, que ya funcionaba en torno a 1920; o los Each Day Waeried Jazzers de César Gamboa (en torno a 1928), que se convertiría en The Happy Jazzers.

Esta referencia a “jazz-band”, que se utiliza de forma generalizada en esos años, alternándola con el apelativo de orquestas “excéntricas”, viene a significar cosas diferentes, aunque relacionadas: por un lado, “jazz-band” es la denominación de la batería, un instrumento que hasta entonces no era nada habitual en las orquestas; también “jazz-band” hace alusión, según su sentido literal, a la banda de jazz en su conjunto; y, por último, designaba de forma genérica la música que este conjunto interpretaba, que no era necesariamente jazz.

No sabemos realmente el tipo de música que interpretaban estas bandas, puesto que la única referencia sonora que tenemos es la de las primitivas grabaciones de aquellos años, y al escucharlas vemos que el estilo interpretativo dista bastante de lo que actualmente se considera jazz. Se trata de una música bailable más cercana al fox-trot y a la música de orquestas como las de Paul Whiteman o Jack Hylton. Eso no significa que la música que se tocase en las salas de baile fuese la misma y, además, ha de tenerse en cuenta que para muchos aficionados de esa época, tanto en España como en otros países, e incluso en Estados Unidos, el jazz estaba representado por esas grabaciones al estilo de la orquesta de Paul Whiteman y otras orquestas de música bailable y “jazz ligero”. No olvidemos la enorme popularidad de Paul Whiteman en Estados Unidos en toda la década de los 20, que le llegó a coronar como “el rey del jazz” y que las verdaderas bandas de jazz, como la de Joe Oliver o la de Jelly Roll Morton, no realizarían grabaciones hasta 1923 y no entraron en las listas de éxitos hasta un tiempo después.

Por otro lado, sabemos que estas orquestas, tanto en las salas de baile como en sus grabaciones, además de música de origen norteamericano, principalmente fox-trot, incorporan en su repertorio otras músicas de moda, como tangos, valses, pasodobles, fados…

La novela Fútbol… Jazz-Band, de Rafael López de Haro nos regala una descripción de cómo sonaba una de estas jazz-band en directo:

“Los jazz-band metían ruido, un ruido cafre, caníbal, ritmado brutalmente. Había entre ellos un tío sentado ante un bombo en el que se insertaban unas tabletas, unos platillos, unos hierros, unas cajas, un klaxon, un pandero de húngaros, unos cascabeles, una cuerna de caza, unos calderos de cobre, unos cencerros… El tío aquel, mediante palillos, mazos y pedales, hacía sonar su heterogénea batería furiosamente. Otro, con una flauta de pistón, modulaba una cosa entre silbido y aullido; y por si era poco, el individuo del violín andaba entre la gente lanzando graznidos y haciendo piruetas mientras manejaba el arco como un serrucho. A semejante conjunto de estridores, trompetazos y gañidos se llamaba simmy.

Estas apreciaciones dejan traslucir la opinión negativa del cronista hacia estas nuevas manifestaciones musicales. Tanto la música de jazz como el baile asociado a la misma suscitaron desde un principio airadas críticas y debates entre sus aficionados y los defensores de la tradición.

Grabaciones.

En cuanto a las grabaciones de jazz publicadas en España, ya hemos comentado que los primeros discos de la Original Dixieland Jass Band, publicados en Estados Unidos en 1917, se comercializaron en España desde el año siguiente. 

Durante los años 20, se podían comprar en nuestro país discos de la orquesta de Paul Whiteman, del británico Jack Hylton o incluso de auténticos músicos de jazz, como Jelly Roll Morton, Duke Ellington o Louis Armstrong, como puede verse rastreando los catálogos de Odeon, La Voz de su Amo, Parlophone, la Columbia española o incluso de sellos nacionales como Fonográfica Delfos.

Pero también se publican discos de orquestas españolas como las citadas Orquestrina Nic-Fusly (“Indianola”, “Alabama Jubilee”), Orquestina Verdura (“Alabama Jubilee”) Demon Jazz Band (“Demon’s Charleston”, “Lingerie Jazz”), Michigan Jazz Band (dos shimmies de títulos curiosos: “Qué gran es Barcelona”, “Es mucho Madrid”), Orquesta Tziganes Planas (“Yes, we have no bananas”), Orquesta Excelsior (“Waya wais”, “Shimmy d’amour”, “Kiss me”), Orquesta Dajos Bela (curiosa grabación de un tema titulado “Ku-Klux Klan”), Jazz Band Ibarra (“Tutankhamen”).

Literatura.

La primera mención al jazz en las vanguardias literarias se produce en el Ultraísmo. Este es un movimiento poético iniciado en 1918, en oposición al modernismo y al novecentismo, y que tenía un gusto especial por el mundo moderno y por todos los avances técnicos. El jazz aparece, por ejemplo, en algunos poemas de Guillermo de Torre: “Jazz-band / Evocación de los rascacielos / que trepan hacia la luna” (“Trapecio”, en Hélices, 1923); Lucía Sánchez Saornil (que firma como Luciano de San-Saor): “La noche ciudadana / orquesta su Jazz Band / Los autos desenrollan / sus cintas sinfónicas por las avenidas / atándonos los pies” (“Panoramas urbanos”, en la revista Ultra nº 18, 10-11-1921); José Rivas Panedas, que define la lluvia como “Jazz band en el cielo” (“He de cortar ramas de sol”, en la revista Grecia nº 43, 1-6-1920); y Francisco Vighi, que define el jazz como “música esdrújula” (“Actualidad (Incoherencia)”).

También el jazz tuvo una presencia significativa en el entorno de la Generación del 27, aun cuando no tanto en las obras como en la vida de sus autores. Pedro Salinas contaba que, en la Residencia de Estudiantes, solían organizar reuniones para bailar y escuchar discos de jazz después de cenar cada viernes. Pepín Bello contaba que él, Luis Buñuel y Dalí eran asiduos del Rector’s Club, en los bajos del Hotel Palace; y Federico García Lorca, en su viaje a Nueva York (1929-1930), entró en contacto con algunas figuras claves del Renacimiento de Harlem (Nella Larsen y probablemente Langston Hughes) y tuvo ocasión de conocer el jazz más auténtico. El propio Lorca contó en una conferencia sobre Poeta en Nueva York (1932) cómo visitó en una ocasión un local entonces muy famoso en Harlem y, frecuentado tanto por blancos como por negros, el Smalls Paradise.

Quizás el autor de este grupo más en sintonía con el jazz fue José Moreno Villa, que teoriza sobre el nuevo género y sobre su función social en sus obras Pruebas de Nueva York (1927) y Jacinta la pelirroja (1929), escritas ambas como fruto de una breve experiencia amorosa en Estados Unidos. En la primera dice: “No puedo figurarme cómo serían los Estados Unidos sin jazz (…). El negro ocupa el estrato más bajo de la sociedad, pero a través de su música influye sobre el modo de vida yanqui, pues ese jazz sincopado, quebrado y enervante se ha impuesto como música de baile para toda la sociedad y ha triunfado por su naturaleza eléctrica y embriagadora”.

No podemos dejar de citar a otra autora del movimiento, considerada una de “Las Sinsombrero”, Concha Méndez, poeta y editora, campeona de natación, amante del charlestón y el jazz, al que dedicó uno de sus poemas: “Jazz-band” (en Inquietudes, 1926).

Y también hay que citar en este apartado a otro literato, Ramón Gómez de la Serna, otro apasionado del jazz, como muestra en su poema “Jazzbandismo”, integrado en su obra Istmos (ENLACE).

Sobre estos temas recomiendo la lectura de: Influencia del jazz en la poesía de la Generación del 27, de Amanda Iturriaga Ruiz (TFM, UCM); «La urbe cosmopolita a ritmo de swing. La música de jazz en la literatura de las primeras vanguardias y de la Generación del 27», de Patricio Goialde Palacios (Musiker 18, 2011); “La generación del 27 y el jazz”, de Antonio Jiménez Millán (Litoral, nº 227-228).

Tobilleras, flappers y relajación moral

El jazz jugó un importante papel en el proceso de emancipación de la mujer en los años 20. Las citadas novelas (Entre el fox y el shimmy, La señorita que bordaba el charlestón, La melodía del jazz band) muestran el reflejo de un nuevo modelo femenino importado de Estados Unidos: las flappers, que en España recibieron el nombre de “tobilleras”.

charleston-bolchevique-gimeno

Edición del charlestón «Bolchevique» en Do-Re-Mi.

Un nuevo estilo de mujer joven, liberada de viejos convencionalismos, que lleva el pelo corto, se maquilla, bebe, se atreve a fumar (en 1925 se estrena el tango “Fumando espero”) y a conducir un automóvil, se viste de forma atrevida, juega al golf o al tenis, es más abierta sexualmente y, por supuesto, escucha y baila el jazz band. Si bien es cierto que este fenómeno no estuvo tan extendido en Madrid o Barcelona como en París o Nueva York, el fenómeno se dio, sobre todo entre las clases medias y altas.

Este ambiente de cierta apertura moral permitió el desarrollo, por un lado, de un incipiente movimiento naturista, que tuvo incluso su propia publicación, la revista Pentalfa. Por otro, el apogeo de un género que venía gestándose desde finales del siglo anterior, el de la literatura erótica, representada en estos años 20 por autores como Álvaro Retana o Joaquín Belda (precisamente autor de una novela titulada Tobilleras). Y cómo no, dio lugar también a la proliferación de espectáculos de corte sicalíptico, lo que se ha dado en llamar el género frívolo, que tuvo un enorme éxito en esos años. Esta moda de la sicalipsis llevó asociado además el fenómeno del travestismo dentro del mundo del espectáculo (se hicieron famosos artistas como Edmond de Bries en Madrid, o Carlos Saldaña “Alady” en Barcelona).

La radio

La radio, que comenzó a funcionar en España a partir de 1923: Radio Ibérica, Radio España, Radio Barcelona y, principalmente, Unión Radio (que con el tiempo se convertiría en la Cadena Ser).

Desde sus inicios, estas emisoras dedicaban una parte importante de su programación a la música, ya fuese música grabada o en directo. Así, por ejemplo, en el programa inaugural de Unión Radio en 1925 se incluyó una ecléctica selección de piezas interpretadas por la Jazz-Band Orquesta Ramalli, entre otras: “Maxim’s shimmy”, el pasodoble “Suspiros de España” y algunos fragmentos de zarzuelas. También aparecen muy asociadas a Unión Radio otras formaciones como la Jazz-Band Estrella, The Castillian Orchestra, la Orquesta Artys o la Orquesta Ibarra. De esta última se decía en la revista Ondas (publicada por la propia emisora):

“Su doble aspecto de jazz-band americana y orquesta clásica la permiten interpretar con igual maestría las alegres notas del fox-trot o la página musical más selecta”.

Por cierto, que esta Orquesta Ibarra interpretará lo que se consideró el himno oficioso de la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929, un fox titulado “Always Sevilla, yes” (se encuentra fácilmente una versión posterior que hizo Celia Gámez con la Orquesta Odeón).

El cine

Los años 20 son la popularización del cine y del paso del cine mudo al sonoro. Dentro de las producciones españolas hay que citar.

El negro que tenía el alma blanca, adaptación de la citada novela de Alberto Insúa, dirigida por Benito Perojo. Su primera versión de 1927, en versión muda, está protagonizada por una jovencísima Conchita Piquer.La obra tuvo tanto éxito que en 1934 el mismo director hizo una nueva versión, esta vez sonora, y se hizo otra posterior en 1951, en esta ocasión dirigida por Hugo del Carril.

De ese mismo año puede destacarse el mediometraje La terrible lección, dirigido por Fernando Delgado, en la que se cuenta la historia de un adicto al dancing que contrae la sífilis de resultas de su vida desordenada. 

La película brinda la oportunidad de contemplar un dancing de la época, con su orquesta de jazz, la Holmann Jazz, compuesta por tres violines, contrabajo y una batería tocada por el único negro del conjunto. Se trata de una cinta de carácter didáctico producida por el Ministerio de la Gobernación, como parte de una campaña oficial de prevención contra las enfermedades venéreas.

En diciembre de 1928 se estrena en España, con gran éxito de público, la segunda película de Josephine Baker, La sirena de los trópicos (La sirène des tropiques, 1927), en la que se puede ver bailando el charlestón. El año siguiente se estrena el considerado primer largometraje sonoro: El cantor de jazz (The Jazz Singer, 1927), dirigido por Alan Crosland. En su estreno en el Palacio de la Prensa en Madrid, un joven Ramón Gómez de la Serna haría una presentación de 15 minutos sobre el jazz, que fue publicada posteriormente en La Gazeta Literaria y más adelante incluida con el título de «Jazzbandismo» dentro de su obra Ismos (1931).

Curiosamente, unos años antes, Conchita Piquer había sido protagonista de la que sí podría ser la primera película sonora de la historia, una cinta musical de 11 minutos grabada en Estados Unidos y dirigida por Lee DeForest ¡en 1923!

Bibliografía.

– Ignacio Faulín Hidalgo: Bienvenido Mr. USA: la música norteamericana en España antes del rock and roll. Milenio, 2015.

– José María García Martínez: Del fox-trot al jazz flamenco: el jazz en España, 1919-1996. Alianza, 1996.

– Iván Iglesias: La modernidad elusiva: jazz, baile y política en la Guerra Civil española y el franquismo (1936-1968). CSIC, 2017.

– Mario Lerena: “‘No me olvides’: fuentes y apuntes para una memoria del jazz en la Costa Vasca (c. 1917-1927)”, en Jazz-Hitz, 01 (2018).

– Andrea Lobo Dueñas: Presencia y representaciones de la mujer en el jazz en España (1919-1936). Universidad de Valladolid (TFG), 2016.

– Jordi Pujol Baulenas: Jazz en Barcelona 1920-1965. Almendra Música, 2005.

– Manuel Recio: «Inicios del Jazz en España» en el blog La música es mi amante (http://lamusicaesmiamante.blogspot.com.es)

Forget Jazz Bassist

 

Arvell Shaw

Origen. EEUU.
Nacido Septiembre 15, 1923.
Ciudad St Louis. Missouri.
Muerto Diciembre 5, 2002.


Escena donde realiza un solo, en la película , Alta Sociedad ,donde cada músico tiene un pequeño solo, la banda de Armstrong incluye: Edmond Hall (clarinete), Trummy Young (trombón), Billy Kyle (piano), Arvell Shaw (bajo) y Barrett Deems (tambores).

                                                                             https://www.youtube.com/watch?v=26TIfLT-1Xk

Harley White Jr.

                             Concierto de Benny Carter Earl Hines Quartet, en el Palau de la Música de Barcelona en 1976.

                                                                        https://www.youtube.com/watch?v=Ou6Q5zhY9NI

Jim Atlas

                                 

Concierto que toco con Teddy Wilson Trio en  1963 International Hour - American Jazz, filmado en el Civic Opera House de Chicago y presentado por Willis Conover.

                                                                       https://www.youtube.com/watch?v=R5NqUoM-WZo

                   

Jimmy Woode

                                

                                                                           Concierto tocando con Coleman Hawkins en 1964

                                                                              https://www.youtube.com/watch?v=cUnsZjg-rbI

 

John Simmons

Origen. EEUU.
Nacido 14 de junio de 1918.
Ciudad Haskell, Oklahoma.
Muerto el 19 de septiembre de 1979 en Orange, Nueva York.

                   

                  

Al Casey y su sexteto
Ben Webster y su orquesta
Benny Carter y sus chocolate Dandies
Benny Goodman y su orquesta
Big Sid Catlett Quartet , Big Sid Catlett's Band
Bill Doggett Trio , Billie Holiday y su banda
Billie Holiday y su orquesta , Big Eight de Billy Kyle
All Star Orchestra de Bud Freeman
Buddy Rich All Stars
Coleman Hawkins y su orquesta
Eddie Heywood y su orquesta , Eddie Heywood Trio
Hot Lips Page & His Hot Seven , Hot Lips Page y su orquesta
Illinois Jacquet & His Big Band
Blue Note Jazzmen de James P. Johnson , John Hardee Quintet
John Simmons y su orquesta
Kansas City Six , Karl George Octet
Lionel Hampton y sus gigantes
Louie Bellson Big Band , Louie Bellson Orchestra
Louis Armstrong y su orquesta
Rolf Ericson y sus estrellas estadounidenses
Russell Procope's Big Six
Sid Catlett Trio
Tadd Dameron Quartet , Tatum - Eldridge
Stoller - Simmons Quartet
Teddy Wilson y su orquesta , Teddy Wilson Quartet , Teddy Wilson Trio
The Birdland Stars
The Buddy Rich Quintet
The Chocolate Dandies
The John Hardee Swingtet
The Sunset All Stars

Red Callender

Nueva Orleans (1947) de Arthur Lubin, con Louis Armstrong, Billie Holiday, Zutty Singleton, Barney Bigard, Kid Ory, Bud Scott, Red Callender y Charlie Beal.

                                                                        https://www.youtube.com/watch?v=m4jU8IQK5b0

Sandy Block

Origen. EEUU.

Nacido. 16 de enero de 1917.
Ciudad. Cleveland y Brooklyn.
Muerte. Octubre de 1985.
Seudónimo. Sidney Sanford Block ,Sid Block.

                

  Concierto de Buddy Rich with Tommy Dorsey & His Orchestra 1943 "Well Git It

https://www.youtube.com/watch?v=HLFUoPqkGwQ

Formaciones.

Las bandas de Alvino Rey 1940-1941.
Tommy Dorsey 1943-1947, 1950.
Jerry Wald 1944.


Grabaciones.
Charlie Shavers 1945.
Sy Oliver 1951, 1958.
Louis Armstrong 1951, 1953, 1957.
Ella Fitzgerald 1951-1953, 1955.
Jimmy McPartland 1955-1957.
Joe Williams 1965.


Grupos:
Jimmy McPartland y su orquesta.
Peter Appleyard Orchestra.
Sandy Block Orchestra , Sy Oliver y su orquesta.
The Brassmates.
The Charlie Shavers Quintet.
The Commanders.
Tommy Dorsey y su Clambake Seven , Tommy Dorsey y su orquesta.

Forget Bass Classic

Berlin Sección

Theodor Albin Findeisen

Nació 1 Octubre 1881 en Zeitz, Murió 3 Marzo 1936 en su casa de campo en Rasberg cerca de Zeitz. Compositor y profesor de contrabajo de origen alemán .

Erich Hartmann

Nació 29 julio 1922 en Múnich, Murió 6 de julio de 2020, Erich Hartmann discípulo del contrabajista Theodor Albin Findeisen, fue músico filarmónico de la era Furtwängler miembro de la sección de contrabajo en el período del Director Karajan, transmitió sus conocimientos como docente en Alemania.



                                                         

                                    1965: Erich Hartmann (i.) with Klaus Holtmann (m.) and Rainer Zeppernitz (d.)

Klaus Stoll - nació en mayo de 1943 en la ciudad de Reidt en Alemania, tocó el violín por primera vez, pero a los doce años comenzó a tocar el contrabajo, su padre Karl Stoll le dio sus primeras lecciones de tocar el contrabajo. Luego tomó clases con Heinz Detering en Colonia y comenzó a trabajar en la Niederrheinische Sinfoniker a la edad de 15 años. Seis años después pasó a la Orquesta Filarmónica de Berlín, se convirtió en el segundo concertino del grupo de contrabajo en 1967 y finalmente en 1992 se convirtió en el primer solista de la mundialmente famosa orquesta.
Aproximadamente desde 1971, Klaus comenzó a actuar como solista. Fue el primero en interpretar alrededor de 60 nuevas composiciones escritas para contrabajo solo.

Enseñó de 1980 a 2000 en la Escuela de Música de Berlín. En el Conservatorio Mozarteum de Salzburgo de 1991 a 1998. Y también desde 1992 enseña en la Academia de la Orquesta Filarmónica de Berlín.

Regularmente imparte clases magistrales en Italia, Japón, México y más de 18 países de Europa, Asia, América del Sur y del Norte. Desde 2002, Klaus y su esposa Ophelia han impartido clases magistrales de arco en francés y alemán con regularidad en alemán, inglés y español para bajistas profesionales y novatos.

Austria Sección

Ludwig Streicher famoso contrabajista austríaco. Nacido el 26 de junio de 1920 en Viena en la familia de un compositor y profesor de música.
Primero estudió violín en la Academia de Música de Viena, luego violonchelo y completó sus estudios como contrabajista en 1940.

Desde 1943 dirigió un grupo de contrabajos en la Orquesta Estatal de Cracovia.
De 1946 a 1973 fue concertino de una de las mejores orquestas del mundo en la Orquesta Filarmónica de Viena. También ha enseñado en la Escuela de Música de Viena desde 1966.
Compositores como Paul Angerer, Gottfried von Einem, Heinz Karl Gruber y otros escribieron música especialmente para él.
Por su  técnica en las primeras posiciones se le apodo "Paganini.

Reino Unido Sección

Gerald Drucker 

es un contrabajista clásico británico, profesor y fotógrafo. Durante su vida, fue el contrabajista principal de la Orquesta Sinfónica de Yorkshire, la Filarmónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de la BBC. Fundador del London Double Bass Ensemble.
Gerald Drucker nació el 5 de agosto de 1925 en Londres. Desde pequeño aprendió a tocar el violín, ya los 16 años ya tocaba en la Orquesta de Boyd Neill, y pronto en la Orquesta de Reginald Jacques. A la misma edad, Gerald cambió al contrabajo, y después de 4 años fue nombrado el primer contrabajista de la Orquesta Sinfónica de Yorkshire. En la Guildhall School of Music, Drucker, además de violín y contrabajo, también domina la viola, la trompa y la tuba.
En 1974, Gerald interpretó a un contrabajista en la película "Romance with a Double Bass" con John Cleese en el papel principal, basado en el trabajo de Anton Chekhov.
En 1953, Drucker se mudó a Londres, donde se le ofreció dirigir una sección de la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de Sir Malcolm Sargent.
En 1964 fue nombrado contrabajista principal de la Nueva Orquesta Filarmónica (más tarde Orquesta Filarmónica), dirigida por Otto Klemperer (luego reemplazado por Lorin Maazel). Por cierto, de 1973 a 1982 el director principal de la orquesta fue el maestro Riccardo Muti, tras lo cual fue reemplazado por Giuseppe Sinopoli.
En 1980, Gerall formó un grupo musical único en su tipo, cuyo núcleo está formado por cuatro contrabajistas: el London Double Bass Ensemble. Al año siguiente, los músicos tocaron por primera vez en Wigmore Hall "Quinteto para clarinete, clarinete bajo y trío de cuerdas" del compositor británico Robert Simpson.
En la década de 1990, Gerald Drucker enseñó contrabajo en el Centro Orquestal Nacional de la Universidad Goldsmith.
Tras 50 años de actividad concertística, el músico, que además de ser el bajista principal de la Filarmónica, también fue su fotógrafo principal, dejó la orquesta. Después de su salida de allí, Drucker asumió la promoción de músicos talentosos, entre los que se encontraban Vanessa-Mei, Min Jin y Min Jang.
Gerald Drucker tiene tres hijos (un hijo y dos hijas), así como dos nietos y una nieta. El músico murió el 19 de marzo de 2010 a la edad de 85 años.

Francia Sección

François Rabbath es un contrabajo y compositor francés contemporáneo. Nacido en Siria el 12 de marzo de 1931 en una familia de músicos. A la edad de 13 años, su hermano mayor trajo a casa un contrabajo y François también comenzó a dominar el instrumento por su cuenta. Una vez que descubrió una copia antigua de la escuela de Edward Nanni y comenzó a dominarla, luego de 9 años de estudio decidió ir a París y demostrarle personalmente a Nanny lo que había logrado mientras estudiaba en su escuela, pero cuando llegó al conservatorio, Nanni ya no estaba viva.
Rabatt se quedó en París y comenzó a ganar dinero como acompañante de Michel Legrand, Jacques Breal, Gilbert Becot y otros En 1963, Rabatt grabó su primer álbum en solitario. En 1977 conoció a Franco Proto con quien estuvo íntimamente vinculado por la amistad y la cooperación.
En códigos posteriores, Rabbat se estableció como un buen intérprete de obras de vanguardia y un compositor. Grabó alrededor de 30 discos, desarrolló muchas ayudas didácticas para contrabajistas.

Barcelona Sección

Conservatori del Liceu

Ramón Mainés (1820-1873) Primer profesor de contrabajo del conservatorio del liceo, fundado en 1837 ,estuvo  entre 1847 i 1873. 

Eduard Oliveras (1843-1906), Alumno de Mainés,  entro como a profesor del 1874 hasta 1906.

Antoni Torelló (1884-1959) Fue su relevo hasta que se marcho a  Estados Unidos.

Juan Gratacós. Paso a ser el profesor titular de contrabajo, en el conservatorio del liceo el año 1909.

Salvador Escofet Fue su sustituto.

Ferran Sala Titular de la cátedra durante 29 años.

Conservatori Municipal de Música

Eduard Oliveras (1843-1906).

Antoni Torelló (1884-1959).

Josép Bassas Casadesús (1889-1964).Estudio en Madrid , fue  el profesor de Ferran Sala.

José Rodríguez (?-1957) La muerte repentina hizo que lo sustituyera Ferran Sala.

Ferran Sala. Titular de la cátedra durante 33 años.

Josep Puig

Pedro Torelló, hermano mayor de Antonio Torelló

Josep Cervera i Bret , Nació en  Peralada, en el  Alt Empordà, el 1 de septiembre de 1883,murió en 1969  escribió un método para contrabajo

Pere Valls i Duran Nació en Sabadell en 1869 murió en Barcelona el 7 de noviembre de 1935 fue instrumentista compositor i pedagogo del contrabajo.

Madrid Sección

Castro Latorre 1838. discípulo de Josep Puig

Real Conservatorio de Madrid,

Emilio Martínez Lluna.

Vicente Espinosa Beltrán .

Lucio González,

Félix Horcajo (1927-2020). Nació en  Madrid  año 1927.

Orquesta Nacional de España creada en el año 1941

Las plazas ofertadas son las mismas que se convocan en la orden del 12 de junio de 1940 y son cubiertas en su totalidad. En la cuerda de contrabajo se cubren las 16 vacantes y entre ellos no aparece Manuel Verdeguer. Los componentes de contrabajo son los siguientes: Juan González, José Ferrer, Sebastián Ruiz Pardo, Juan García Sagastizábal, Ricardo García Sagastizábal, Carlos de Lucas, Julián Díaz, José Arbizu, Lucio González, César Ferrer, José Rodríguez, Luis Carriedo, Anastasio Blanco, Pedro Ayuso, Juan Bonin y Aureo Herrero

Orquesta Nacional de España profesores1942.  José Regidor Ramos y César Ferrer Sempere.

Orquesta Nacional de España profesores 1943. Juan González y Sebastián R. Pardo

Orquesta Nacional de España profesores 1944. José Ferrer Sempere y José Rodríguez Ibáñez.

Orquesta Nacional de España profesores 1944. Emilio Martínez Lluna

Orquesta Nacional de España profesores 1947

Lucio González Malpartida por falta de certificado de buena conducta, y Aureo Herrero Arranz por falta de partida de nacimiento, certificado de penales, médico, de adhesión al régimen, de buena conducta y recibo de derechos de oposición. Los aspirantes admitidos en la especialidad de contrabajo son: José Arbizu Ciganda, Antonio Aznar Ucar, Anastasio Blanco París, Juan García Sagastizábal, Lucio González Malpartida, Aureo Herrero Arranz, y Manuel Verdeguer Beltrán

 Manuel Verdeguer Beltrán(1908-1988) ocupó la plaza de solista de contrabajo y la de ayuda de solistaaprobado en 1947 como profesor , Nacido en 1908 en Valencia,1935 finalizó sus estudios en el Real Conservatorio de Madrid, estudiando con el profesor Lucio González

 José Ferrer Sempere

Juan García Sagastizábal, Lucio González Malpartida, Sebastián Ruiz Pardo, Fermín García Rodríguez, Anastasio Blanco París, José Arbizu Ciganda, Adolfo Abad Osma y Pedro Ayuso Gil

Valencia  Sección

Conservatorio de Valencia,1913

.

Salvador Beltrán,
Antonio Carbonell,
Luis Gallego Roncero,
Miguel Zuarces Torró,
Manuel Peris,
Pascual Muñoz Puntarró,
Javier Mateo Aguilar,

Abelardo Chust  contrabajista de la Orquesta Sinfónica de Valencia.

José Mª Daroqui Grasolí, Arnaldo Vidal Serra, Diego Romero Hernández (12-11-1895), Bernardo Aguilar Benlloch, Cándido Soler Nácher. Admitido en percusión, clarinetes y contrabajo, Juan Bta Montesinos Peñarroja, Emilio Martínez Ferrándiz, Emilio Campos Campos, Luis Welcner, José Medina Farinós (11-8-1883). 

José María Lloret Martínez 1936 ocupaba la cátedra de contrabajo de Valencia.

Manuel Verdeguer Beltrán 1939 consiguió la plaza de solista de contrabajo de la recién creada Orquesta Municipal de Valencia en la que permaneció hasta el 20 de abril de 1947.

1936 Sindicato de contrabajistas  de valencia 

Abdón Guzmán Andreu (19-6-1873) 

Aldaya, José Medina Farinós (11-8-1883) violoncello y contrabajo,

José Gea Bañuls (14-8-1884) Real de Gandía, 

Luis Gallego Romero (23-8-1866), 

Miguel Marco Torró (14-9-1890), 

Manuel Ribes Guzmán de Manises,

José Mir Gabalda (4-11-1883) Paterna, 

Vicente Ferrando Ferrando (19-8-1874) Rocafort,

Antonio Navarro Romero (3-7-1901) violoncelista y contrabajista 

Agustín Gaspar Cebrián (28-9-1907),

Emilio Martínez Lluna (11-8-1913) Aldaya, 

Vicente Espinosa Ródenas (1-7-1913) Valencia.

Rusia Sección

Alexander Andreevich Milushkin

Rusia siglos XIX-XX. - el lugar donde nacieron las escuelas de contrabajo - San Petersburgo y Moscú. El tiempo implacable nos ha conservado muchos nombres de solistas, maestros que han dejado una huella imborrable en la historia de la interpretación del contrabajo, que crearon sus propios métodos de enseñanza y escuelas, que tuvieron alumnos y seguidores famosos.

El primer profesor de contrabajo del Conservatorio de San Petersburgo es el profesor Ivan Osipovich Ferrero (Giovanni Ferrero), contrabajista ruso de origen italiano. Las tradiciones de la escuela de Petersburgo fueron continuadas con éxito por V. Zhdanov y más adelante por V. Bekh, M. Krasnopolsky, P. Uglitsky. Siglo XX: hubo excelentes maestros M. Kravchenko y S. Buyanovsky, M. Kurbatov y P. Weinblat.

Gustav Shpekkin se convirtió en el primer profesor de contrabajo en el Conservatorio de Moscú, luego Joseph Rombausek, V. Proskurnin, A. Milushkin "creció" ... El contrabajista y profesor ruso-soviético Alexander Andreevich Milushkin nació el 2 de febrero (14) , 1892 en la región de Saratov. Estudió contrabajo con D. Shmuklovsky en la Escuela de Música y Drama de la Sociedad Filarmónica (1909-1913). Después de graduarse de una escuela de música, ingresa a una escuela técnica superior. Como participante en la Primera Guerra Mundial, A. Milushkin recibió dos veces la Cruz de San Jorge. Participando en la Guerra Civil, en las filas del Ejército Rojo, por su valentía y valentía fue galardonado con la Orden y la Guardia de Oro.

Tras el final de la guerra, volvió a su música favorita y desde 1920 trabajó en Moscú, tocando en la orquesta del Teatro Bolshoi, al mismo tiempo siendo profesor de la clase de contrabajo del departamento de cuerdas del State Musical College. . hermanos A. y N. Rubinstein (1923-1929). Enseñó en la facultad obrera, en la Casa de las Artes Aficionadas, dirigió la clase de contrabajo en el Conservatorio de Moscú A partir de 1929, Alexander Andreevich inició su carrera docente en el Conservatorio de Moscú y enseñó allí hasta el final de su vida. Recibió el título de profesor asociado en 1933. Entre los estudiantes famosos de Alexander Milushkin se encuentran notables artistas y maestros V. Zinovich y A. Astakhov, V. Khomenko y D. Agafonov, S. Efremov y M. Shevando. Maestro de mentalidad progresista, talentoso organizador Alexander Milushkin es una personalidad brillante y creativa, más conocido por sus actividades docentes y la autoría de libros de texto y las primeras colecciones de repertorio para contrabajo en Rusia (URSS). Sus ayudas didácticas, las transcripciones para el contrabajo, jugaron un papel importante en la formación de la escuela doméstica del contrabajo.

A finales de los años 20 y principios de los 30 del siglo XX, existía una necesidad urgente de literatura educativa y manuales sobre el arte del contrabajo no solo para músicos jóvenes, sino también para orquestas experimentadas. Entendiendo perfectamente el estado de las cosas, el activo y talentoso Alexander Milushkin lo entendió, y el tiempo hizo sus propios ajustes. La idea de crear un libro de texto ha madurado durante mucho tiempo. La colaboración con un contrabajista experimentado y autoritario, acompañante del grupo de contrabajo del Teatro Bolshoi M. Domashevich dio sus frutos. Entre 1928 y 1930 se publicaron tres voluminosas partes de The Complete Self-Study School for Double Bass. En 1933, apoyándose en la experiencia de la primera edición, resumiendo su experiencia de práctica escénica y enseñanza, Alexander Andreevich Milushkin publicó la "Escuela para el contrabajo" en la que se difundieron sus progresistas ideas metodológicas.

Escuela de contrabajo doméstico en los años 20-40 del siglo XX. se formó, cada vez más, en el estudio de material fáctico, experiencia basada en la observación directa y la experimentación. La publicación del libro de texto "Escuela de autoaprendizaje completa para contrabajo", un manual para profesionales y estudiantes en tres partes por A. Milushkin y M. Domashevich, realmente se convirtió en un evento. Pequeña tirada, sólo 300 y 500 ejemplares. En la revisión, el compositor y director ruso, profesor del Conservatorio M. Ippolitov-Ivanov evaluó el nuevo libro de texto como un fenómeno excepcional en términos de su integridad de contenido, claridad de presentación y pautas fácticas para la superación personal. Y en el campo de las ayudas didácticas, lo llamó resolver muchas cuestiones de técnica virtuosa, utilizando no solo el aspecto técnico, sino también teniendo en cuenta el lado del desarrollo musical general.

El material didáctico fue presentado con detallados comentarios metodológicos sobre la base de visiones progresistas para la época en el campo de la educación musical. La idea del desarrollo musical general de un estudiante contrabajo formó la base de la escuela nacional de contrabajo. y determinó el camino de su posterior desarrollo. Las partes I y II de "Escuela ..." santifican las habilidades básicas de tocar el contrabajo y la preparación para tocar en la orquesta. Parte III: dedicada a las habilidades del virtuoso (solista). En la construcción del libro de texto, se ve el principio de la Escuela F. Simandl, la formación de contrabajo sobre la base de la práctica real. La técnica de los golpes y los elementos de la interpretación orquestal están representados por estudios y extractos de sus composiciones de contrabajo de Bach y Mozart, Beethoven y Rossini, Glinka y Wagner, Verdi, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky. Da consejos sobre cómo trabajar con literatura orquestal de compositores rusos y extranjeros, utilizando este enorme material para la lectura a primera vista y el aprendizaje de trazos. A pesar de su importancia, la Escuela Milushkin-Domashevich, algunas de sus "disposiciones" seguían siendo abrumadoras para los artistas novatos y contenían fallas metodológicas de los autores.

El siguiente libro de texto de A. Milushkin "Escuela para contrabajo" fue revisado por expertos y profesores autorizados del Departamento de Cuerdas de la Escuela Superior de Música (como se llamaba el Conservatorio en ese momento) I. Gertovich, S. Kozolupov, A Yampolsky. Después de que el autor hizo algunas modificaciones, el libro de texto fue reconocido como una herramienta valiosa para la formación de habilidades técnicas y horizontes artísticos de los estudiantes. Y se recomendó a Muzgiz para su publicación en un futuro muy próximo (1932), lo que se hizo en 1933. La segunda parte del libro de texto se publicó en 1939, la tercera parte quedó inédita.

La propuesta de innovación de A. Milushkin consistió en dos sistemas diferentes de disposición y sujeción del arco. Para los principiantes, se recomendó el arco, más perfecto, del sistema francés. El arco de alta gama alemán fue utilizado en ese momento por muchos músicos en el país y en el extranjero. En la clase de A. Milushkin, los estudiantes jugaron con diferentes arcos, V. Zinovich - francés, V. Khomenko - alemán. Además, A.A. Milushkin consideró las técnicas reales de digitación. Sus ideas en el campo de la digitación fueron posteriormente utilizadas y refinadas en sus ayudas didácticas por estudiantes, por ejemplo, V. Khomenko - "Nueva digitación de escalas y arpegios para contrabajo" (1953) "Estudios orquestales para contrabajo. Extractos de la literatura sinfónica, de ópera y ballet de compositores rusos ", colecciones de repertorio para diferentes etapas de estudio, colecciones de sus propias transcripciones (sonatas,

Alexander Andreevich Milushkin murió el 4 de septiembre de 1938 en Moscú.

Vasily Aleksandrovich

Nació el 1 de agosto de 1845 en el pueblo de Troitsko-Kolychevo. Por cierto, el mismo día fue bautizado. Sus padres son el empleado local Aleksandrov Zhdanov y su esposa es Anna. Este pueblo, Troitsko-Kolychevo, ha sobrevivido hasta el día de hoy y está ubicado en el mismo lugar, en la carretera de Murom a Vladimir.
Ya a la edad de 13 años, el 20 de diciembre de 1857, fue nombrado coro menor en la Capilla del Coro de la Corte. Fue allí donde comenzó a familiarizarse con la cultura coral. Y a la forma en que A. Rozhnov, G. Lomakin y Malyshev lo entendieron. Vasily Alexandrovich sirvió en esta capilla hasta el 24 de mayo de 1861.
El 1 de enero de 1859, cuando A. Lvov revivió el trabajo de la clase instrumental, Zhdanov comenzó a estudiar contrabajo con Giovanni Ferrero, un buen contrabajista, el mismo cantante y director. Y al año siguiente, 1860, logró actuar en solitario en uno de los conciertos. Por esto, fue recompensado con una reverencia hecha por el mayor Nikolai Kittel. Pero Zhdanov no completa el curso completo de estudio. Se le considera dormido de la voz, pues el 24 de mayo de 1861, al tener el título de registrador provincial, deja la Capella y deja sus estudios con Ferrero. Por cierto, la liberación general tuvo lugar solo dos años después.
Pero Zhdanov no permaneció inactivo durante mucho tiempo, y el 7 de octubre de 1861, fue inscrito en la orquesta de los Teatros Imperiales y enviado de inmediato a Moscú, para que tocara en los teatros locales, hasta el final de la temporada. .
El 2 de marzo de 1862 comenzó su odisea orquestal. Fue miembro de la Ópera Rusa de San Petersburgo. Y lo identificaron como el cuarto músico de cinco. Esto duró hasta 1898.
24 de enero de 1865 - casado. Su nombre era Theodosia. Además, en 1865, comenzó su trabajo de dos años en la "Escuela de contrabajo".
Con casi 22 años terminó de trabajar en esta Escuela y decidió enviársela a Rubinstein. En respuesta, solo recibió críticas halagadoras. Dargomyzhsky y Ferrero también se suscribieron a tales revisiones. Sin embargo, nadie va a publicar la escuela, ya que para aquellos tiempos era un hecho inédito que un desconocido pudiera hacer algo que valiera la pena.
En 1868-1870 trabajó en la reforma del grupo de cuerdas. Gracias a esto, aparecen dos nuevos instrumentos musicales: el contraviolino y el bajo. Sin embargo, aunque ya se encontró un maestro en Alemania que podía fabricar tales instrumentos, la RMO no apoyó plenamente tal empresa. En 1874, Zhdanov les respondió con su obra "El cáliz de la vida".
El 16 de diciembre de 1875, fue designado para el papel de segundo contrabajista en la Ópera Rusa.
El 1 de septiembre de 1877, heredó las clases de estudiantes de Ferrero y se convirtió él mismo en profesor. Para empezar, es solo un conferencista senior. 2 de marzo de 1879: ya es profesor del grado II. El 18 de noviembre de 1897 se convierte en profesor de primer grado.
El 7 de octubre de 1881, a los 36 años, decide dejar la orquesta de los Teatros Imperiales. El caso es que ya trabajó allí para jubilarse, después de todo, lleva 20 años en estas estructuras. Sin embargo, en 1882 volvió a contratar a la orquesta. Ahora es acompañante y su salario casi se ha duplicado.
En 1888 sufrió un ataque de nervios y tardó un año entero en deshacerse de él. Y en 1902 sus hijos desarrollaron enfermedades. Tienen ciertas complicaciones.
En 1909 abandonó la Capilla de la Corte. Y en el Conservatorio, solo enseña a antiguos alumnos. Le da las nuevas adquisiciones a Vaclav Bech. Al mismo tiempo, se comenzó a trabajar en la segunda edición de la Escuela.
Zhdanov murió el 30 de mayo de 1910 debido a una neumonía cruposa. Ocurrió en la ciudad de Ligovo, donde fue enterrado en el cementerio Preobrazhensky. Hoy este cementerio no existe.
Por cierto, su segunda edición de la Escuela todavía se publicó en 1912.

Rustem Gabdullin

- Profesor del Conservatorio de Moscú y acompañante del grupo de contrabajo de la Orquesta Nacional de Rusia Fue el primero en tocar la sonata de Hindemith para contrabajo en la URSS, y también fue el primero en presentar la sonata de Sofia Gubaidullina para contrabajo y piano ".




Alexander Koblyakov profesor en el Conservatorio de Moscú


Ivan Kotov se convirtió en el primer contrabajista ruso en ganar una competencia internacional: recibió el Gran Premio y todos los premios especiales.1970
Gennady Muzyka - acompañante del grupo de contrabajo de la Orquesta Sinfónica de Singapur
Rinat Ibragimov - concertino del grupo de contrabajo de la London Symphony Orchestra y profesor de la Guildhall School of Music

Evgeny Kolosov En su cuarto año de estudios, a la edad de 22 años, inmediatamente después de aprobar el examen anual en su especialidad, Yevgeny Kolosov recibió una invitación para enseñar en el Conservatorio de Moscú.En agosto de 2015, el profesor Kolosov celebró el 53º año de docencia en el Conservatorio de Moscú y su 75º cumpleaños.

David Oistrakh


Leonid Kogan


Mstislav Rostropovich.

Rodion Azarkhin en la historia de tocar el contrabajo conoció muchos nombres brillantes de concertistas solistas: , Bottezini , Koussevitsky , Gertovich ,Dragonetti pero lo que Rodion Azarkhin logró en su arte, ¡increíble! En efecto: frente a mí está su "viejo" disco con un programa de conciertos de los años 60. Las variaciones de violín "Moses" de Paganini suenan, suenan, como el violín, - en la misma cuerda ... Aquí también está la Introducción y Rondo Capriccioso de Saint-Saens, y Nocturne de Chopin, y "Sad Waltz" de Sibelius, y Ka -La hermosa sonata de Balevsky. ¿Quién podría pensar que esto es posible en un contrabajo, considerado el instrumento más engorroso y aún poco desarrollado? El valor y la fe en la victoria, más el trabajo duro, multiplicado por el talento, llevaron a un resultado tan maravilloso. El repertorio de Azarkhin incluye alrededor de 400 obras - las alturas del violín y el arte del violonchelo - clásicos, obras de autores extranjeros modernos soviéticos, las que el propio Azarkhin transpuso, viéndolas de una manera nueva en el timbre de su instrumento, y aquellas que fueron escritas especialmente para él. Todo lo interpretado suena de pura sangre, convincente, "sin descuento" para el instrumento. Al escuchar la obra de Azarkhin, está convencido de que simplemente subestimamos las capacidades del contrabajo y el contrabajista, acostumbrándonos al aspecto tradicional de ellos. También te sorprende la generosidad con la que Azarkhin ofrece los frutos de muchos años de trabajo: cada una de sus actuaciones es única, todos los programas se realizaron una sola vez, incluso sin la práctica habitual de correr en concierto. El interés por la obra de este artista es grande también en el exterior. Sus discos fueron lanzados en los Estados Unidos, Japón, Holanda, Alemania del Este y otros países. También te sorprende la generosidad con la que Azarkhin ofrece los frutos de muchos años de trabajo: cada una de sus actuaciones es única, todos los programas se realizaron una sola vez, incluso sin la práctica habitual de correr en concierto. El interés por la obra de este artista es grande también en el exterior. Sus discos fueron lanzados en los Estados Unidos, Japón, Holanda, Alemania del Este y otros países. También te sorprende la generosidad con la que Azarkhin ofrece los frutos de muchos años de trabajo: cada una de sus actuaciones es única, todos los programas se realizaron una sola vez, incluso sin la práctica habitual de correr en concierto. El interés por la obra de este artista es grande también en el exterior. Sus discos fueron lanzados en los Estados Unidos, Japón, Holanda, Alemania del Este y otros países.

Shostakovich, Khachaturian, Khrennikov y otros grandes músicos hablaron muy bien de la forma de tocar de Azarkhin, que  busca compartir su conocimiento y experiencia con colegas. Publicó cerca de un centenar de sus transcripciones y ediciones, que ampliaron y enriquecieron el repertorio de contrabajo, dos libros y artículos. Y ahora comenzó a componer música para contrabajo.Contribuyo al desarrollo de las artes escénicas soviéticas.

Lituania Sección

Virtuoso contrabajista y concertista de cámara, excelente maestro de orquesta y maestro con mayúscula Iosif Frantsevich Gertovich nació el 12 (24) de mayo de 1887 en la ciudad provincial de Vilna, ahora la capital de Lituania - Vilnius en un familia de clase trabajadora. El conocimiento musical inicial del niño se asoció con el violín. Y en 1902, estudiando en la capilla de la Catedral de Vilnius de St. Stanislav y St. Vladislav, la carrera de Gertovich comenzó como contrabajista. Las condiciones de la educación gratuita no dejaban al estudiante el derecho a elegir una especialidad. El propio Joseph Gertovich lo dice así: " Estudié violín, pero cuando el contrabajista M. Domashevich abandonó la escuela, sin preguntar, simplemente me trasplantaron a su casa ".

Llevado por el contrabajo, es a este instrumento al que dedicará toda su vida. La palabra "Artista" en su totalidad y altura de significado se refiere a Joseph Gertovich. Sus artes escénicas se distinguieron por la habilidad virtuosa y el gran arte, la expresividad emocional y la noble gracia en la manera de tocar el contrabajo.

20-40 del siglo XX - el momento en que los músicos más autorizados y formados participaron en el conjunto. Joseph Gertovich es un maravilloso músico de conjunto. Y la música de cámara jugó un papel importante en su vida creativa. Los socios del conjunto fueron músicos destacados: los pianistas Alexander Goldenveiser y Konstantin Igumnov, Emil Gilels, Heinrich Neuhaus, Lev Oborin; los violinistas Lev Zeitlin y David Oistrakh; el solista del Teatro Bolshoi Ivan Petrov (Krause) y Dmitry Tsyganov. Actuaciones significativas de Joseph Gertovich con los Cuartetos. Beethoven, Borodin, Stradivarius y el Teatro Bolshoi, con el Cuarteto Ruso-Armenio Komitas, en el conjunto de música antigua. En 1927, Joseph Gertovich participó en el estreno del Quinteto más complejo en g-moll, escrito por S. Prokofiev para oboe, violín, clarinete, viola y contrabajo. basado en el material musical del ballet del autor "Trapeze". Los sextetos de Glinka y Mendelssohn, el quinteto y octeto de Schubert, el septeto de Beethoven: esta no es una lista completa de las composiciones de interpretación en conjunto interpretadas por el virtuoso.

Los méritos de Hertovich como músico de orquesta también son innegables. El famoso Sergei KoussevitskyComo líder de la Orquesta de Boston, lamentó repetidamente en su correspondencia que su mejor orquesta sinfónica carece del mejor contrabajista Gertovich. Después del estreno de su Séptima Sinfonía en 1942, Dmitry Shostakovich quedó muy impresionado por el arte de Joseph Gertovich, quien se dirigió a él con palabras sinceras y cálidas, agradeciéndole por la excelente interpretación. Y en 1945, solo Gertovich pudo grabar el famoso solo de contrabajo de Sergei Prokofiev para la escena "Iván suplica a los boyardos" para el largometraje "Iván el Terrible". Iosif Frantsevich estuvo en la Orquesta del Teatro Bolshoi como solista durante más de 40 años (1910-1953). Su posición como líder de un grupo de contrabajistas era incondicional. Su trabajo como concertino de grupos en el "Persimfance" de Moscú (1922-1932) fue fructífero.

La propaganda de Gertovich de tocar el contrabajo, que acercó el instrumento a la interpretación del violonchelo y el violín, los requisitos de la técnica profesional y la expansión del sonido del timbre no siempre fueron aceptados por sus colegas e incluso por los directores. Pero su propio ejemplo de un músico profesional maravilloso ha demostrado la validez de este enfoque muchas veces.

La actividad pedagógica de Joseph Frantsevich Gertovich es una de las páginas más brillantes de la historia de las clases de contrabajo. En sus pasiones "pedagógicas", Gertovich se adhirió a las técnicas propias de un violinista. En la "Escuela" de contrabajo, invirtió la técnica del violín. Y esta es la singularidad de su enseñanza. De hecho, de hecho, Gertovich fue un contrabajista autodidacta, y su "oficial" y, tal vez, su único maestro fue el violista y director N. Salnitsky. Desde 1905 hasta 1910 Joseph Frantsevich comienza a "enseñar" en el Colegio Musical de la Sociedad Musical Rusa en Kazán. Además, el campo de un maestro y mentor, profesor (desde 1940) en el Conservatorio de Moscú (1922-1953 con algunas interrupciones). Entre los estudiantes destacados dignos de su maestro se encuentran M. Steinke y A. Astakhov , V. Vashentsev y D. Agafonov.

El papel de Joseph Gertovich en la historia de las artes escénicas rusas como solista de contrabajo es impresionante. Durante 30 años (1922-1953) Gertovich dio 1-2 conciertos en solitario al año. Y la brillante individualidad artística y la forma de interpretación del solista-contrabajista Gertovich asombra hasta el día de hoy. Se ha conservado el único registro raro del disco de 1952 de la magistral interpretación del maestro. Cuenta con dos pequeñas obras de teatro: "Melodía en el estilo antiguo" de Gabriel-Marie y "Adagio" de un autor desconocido del siglo XVII. Gracia de violín, forma noble de producción de sonido, entonación pura precisa y fraseo reflexivo. Y también la esquiva capacidad del maestro virtuoso para establecer un contacto creativo cercano con el oyente y la percepción musical son las características principales de la interpretación en solitario de Joseph Gertovich. El más alto nivel de interpretación en solitario, Un arco "francés" con un bloque bajo y un contrabajo en manos de un músico se convierte en un "gran violín". El sonido del contrabajo de Joseph Gertovich en las mejores salas de conciertos de Moscú, Leningrado, Tbilisi fue un acontecimiento importante en la vida musical de esa época. Los programas de conciertos consistieron en obras para contrabajo de autores famosos -D. Bottezini , V. Mozart, S. Koussevitzky, C. Frank, P. Tchaikovsky. Se interpretaron piezas, sonatas, variaciones sobre temas de Bach y Beethoven, Gluck y Glinka, Rachmaninov, Chopin, arreglos de violín para el instrumento y obras del propio Joseph Gertovich. Originales en sus interpretaciones fueron el Aria de Mozart para bajo y contrabajo y Giovanni Bottesini, el Gran Dúo de Concierto para Contrabajo y Violín, en sociedad con su sobrino, el violinista Vitold Gertovich. El virtuosismo de la técnica y el sonido suave del instrumento fascinaron al público. Gertovich tocó el contrabajo de Guarneri. Además de las composiciones del autor para contrabajo, se conocen varias piezas para piano y vocales de Joseph Gertovich: "Pequeña suite al estilo antiguo", "Minuet", "Rondino sobre un tema de Beethoven", "Pastoral Scherzo", "Romance" . El repertorio del músico también incluyó obras escritas especialmente para él: “Variaciones para contrabajo y quinteto de cuerdas” de A. Spivakovsky, “Melodía No. 2” de A. Denisov. En 1951, Joseph Gertovich recibió el título de Artista de Honor de la Federación de Rusia. El famoso músico murió el 12 de diciembre de 1953 en Moscú. Y sigue siendo su famosa frase “Hay que tocar el contrabajo como un violín, solo que mucho más suave ”es una guía para las aspiraciones de una nueva generación de jóvenes talentos.
Sección Checoslovaquia

Franz Simandl (1 de agosto de 1840-15 de diciembre de 1912) - contrabajista y profesor, mejor recordado por su libro Un nuevo método de tocar el contrabajo, conocido como la Escuela Simandl, que todavía se utiliza hoy como un estudio estándar de doble técnica del bajo y posiciones de las manos.

Su enfoque utiliza el primer, segundo y cuarto dedo de la mano izquierda (el tercero y el cuarto siempre se combinan) para establecer la posición en el registro inferior del instrumento y divide el cuello en diferentes posiciones.

El segundo volumen de la Escuela examina la aplicación de la posición de la bisagra con el pulgar. En el que, sin cambiar de posición, el contrabajo utiliza el primer, segundo, tercer y cuarto dedo para tocar, pero al tocar con el cuarto dedo, la mano, como si estuviera sobre una bisagra, se desplaza ligeramente hacia el cuarto dedo.

Aunque la Escuela Simandla tiene más de cien años, todavía está muy extendida entre los contrabajistas clásicos. Aunque los jugadores de contrabajo ahora están tratando de introducir nuevas técnicas y manuales, muchos de ellos se basan en la Escuela Simandl.

Simandl estudió en el Conservatorio de Praga con Josef Grabier antes de convertirse en el contrabajista principal de la Orquesta de la Ópera de la Corte de Viena. Fue profesor de contrabajo en el Conservatorio de Viena de 1869 a 1910. Entre sus alumnos se encuentran muchos de los contrabajistas más destacados de su época, como Ludwig Manoli, quien se mudó a Nueva York para convertirse en el concertino de la Filarmónica de Nueva York y fue un maestro influyente.

Los sucesores de la Escuela Simandla han continuado su tradición de contrabajo durante generaciones. Los bajistas-profesores destacados que pueden rastrear su ascendencia directamente de Simandla son aquellos bajistas como Adolf Bruins, Richard Davies, Mark Dresser, Joseph Guastaveste Greg Sarchet, , Herman Reynshagen, Karl EH Seigfried, , Bertram Turkish, Frederick Zimmerman .Ludvig Streicher .
Miroslav Vitush es un famoso contrabajista de la República Checa. El niño comenzó a involucrarse en la música desde muy pequeño. Ya a los seis años tocaba el violín. Unos años más tarde, Miroslav se interesó por tocar el piano. Y a los catorce se pasó al estudio del contrabajo.

Finlandia  Sección

Jorma Kalevi Katrama (n. 1936) es un músico finlandés especializado en violín y contrabajo.

Primero dominó el violín y luego el contrabajo en la Academia Sibelius y fue el primero en Finlandia en recibir un diploma de contrabajista. De 1964 a 1967 estudió con Gaston Laugerot en París. En 1966 debutó con la Orquesta Filarmónica de Helsinki y dio su concierto debut en Helsinki.

Katrama ofrece recitales y ha actuado como solista en Escandinavia, Francia, Alemania, Italia, Gran Bretaña, Estados Unidos, Estonia, Rusia, Corea del Sur y Taiwán.

Fue miembro del jurado de numerosos concursos internacionales (Roma, Parma, Cremona, Ginebra, Mittenwald, etc.).

Katrama se convirtió en miembro de la Orquesta Filarmónica de Helsinki en 1959, y fue su principal contrabajista de 1967 a 1999. Actualmente se retiró de la orquesta. Enseña en la Academia Sibelius; además, imparte regularmente clases magistrales en todo el mundo. Fundó la comunidad finlandesa de contrabajo.

Grabó 6 álbumes en solitario, que se hicieron muy populares y recibieron críticas muy altas.
Es miembro honorario de la Sociedad Finlandesa de Contrabajo, la Sociedad de Bajo Escocés, el Club de Contrabajo Danés y es miembro de la Unión de Música de Finlandia.

EEUU Sección

Warren Benfield  contrabajista clásico estadounidense. Durante mucho tiempo trabajó con la Orquesta Sinfónica de Chicago y enseñó en la Universidad Northwestern de Chicago.
Woron estudió con Antonio Torello en el Curtis Institute de Filadelfia. Al principio de su carrera, trabajó con la Orquesta Sinfónica de Minnesota, cuando consiguió un trabajo allí tenía 21 años y era el miembro más joven de la orquesta. Más tarde trabajó con la Orquesta de St. Louis como el primer contrabajista, luego compartió el puesto de acompañante de la banda con sus compañeros estudiantes de Torello Scott Roger en la Orquesta de Filadelfia en 1942. Siete años después, Rafael Kubelik lo invitó a dirigir un grupo de contrabajosen la Orquesta Sinfónica de Chicago, donde trabajó hasta su jubilación en 1987.
Su carrera docente se desarrolló en la Universidad Northwestern de Chicago, así como en la Universidad privada DePaul, donde impartió una clase de contrabajo. Fue coautor con James Say Dean y produjo la escuela “Art of Double Bass Playing”, que describía los puntos importantes de la interpretación en conjunto y la interpretación en solitario. Se tuvieron en cuenta los logros no solo de los contrabajistas clásicos, sino también de los de jazz. Se dieron muchos extractos de literatura orquestal y solista para contrabajo.

Gary karr virtuoso del contrabajo clásico estadounidense y profesor. Nacido el 20 de noviembre de 1941 en Los Ángeles, California.
Sus principales maestros fueron Hermann Reinshagen y Stuart Sankey, con quienes estudió en la Juilliard School y en el Aspen Music Festival. El reconocimiento de Karroo llegó en 1962 cuando apareció en la televisión nacional con la Orquesta Filarmónica Juvenil de Nueva York, dirigida por Leonard Bernstein. En este espectáculo, Carr interpretó "El cisne" del "Carnaval de animales" de Camille Saint-Saens. También grabó la pieza con la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Desde entonces, Gary Carr ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Montreal, la Orquesta Filarmónica de Hong Kong, la Orquesta Simón Bolívar, la Orquesta Sinfónica de Jerusalén, la Filarmónica de Oslo. Orchestra y la Oslo Chamber Orchestra son las orquestas más grandes de Australia.
Realizó estrenos de nuevas obras escritas especialmente para él por compositores como: Gunther Schuller (concierto de contrabajo), Hans Werner Henze (concierto de contrabajo), Vittorio Giannini (salmo CXX), Alec Wilder (contrabajo y sonata para piano, contrabajo suite y guitarra), John Downey (concierto de contrabajo), Ketil Khvostlev (concierto de contrabajo) y Robert Javier Rodríguez (Ursa, Four Seasons para contrabajo y orquesta). Grabó un concierto de Koussevitzky con la Orquesta Filarmónica de Oslo. Gary Carr es conocido como uno de los mejores bajistas de los siglos XX y XXI.
Ha impartido clases magistrales en Juliard School, New England Conservatory, Hartt School, Yale University, Indiana University, North Carolina School of the Arts y ha publicado varios libros de texto de contrabajo. Su escuela tiene como objetivo encontrar su sonido único en el contrabajo, acercándolo al canto lírico de un vocalista.
En 1967, Gary Carr fundó la Sociedad Internacional de Contrabajistas (ISB), una organización dedicada a la investigación, defensa y promoción del contrabajo en todo el mundo. La ISB, con más de 3.000 jugadores de contrabajo, artistas, profesores, estudiantes y aficionados en más de 40 países de todo el mundo, celebra una conferencia internacional cada dos años.
Gary Carr apareció en el documental de la BBC de 1978 The Great Double Bass Race.
En 2005 donó su contrabajo principal Karr-Koussevitzky a la ISB. Este instrumento le fue presentado por la viuda de Sergei Koussevitsky Olga. Y ahora este instrumento está disponible para las interpretaciones de grandes contrabajistas.
Fundó una fundación sin fines de lucro en 1984, que busca y ayuda a comprar instrumentos para contrabajistas jóvenes y prometedores.
Después de 40 años de experiencia, se jubiló en 2001, ahora vive en el oeste de Canadá, en la ciudad de Victoria.


Sección Argentina


José Roveda, concertista de contrabajo de Buenos Aires discípulo directo de Giovanni Bottessini
Emili SalónJosep Vallespí



Enrique "Quicho" Díaz (Buenos Aires, 21 de enero de 1918 - En 1960 se formó el quinteto Nuevo Tango bajo la dirección del célebre compositor Astor Piazzolla, al que se unió Enrique. Como parte de este quinteto actuó hasta 1977. Las obras más memorables de Astor Piazzolla, en las que actuó Quicho, son: Buenos Aires, hora cero y Contrabajeando, escritas especialmente para contrabajo. Esta obra fue creada bajo la dirección de Anibal Troilo, pero más tarde Astor Piazzolla finalizó el arreglo de tal manera que la parte del contrabajo se volvió aún más expresiva.5 de octubre de 1992) es un destacado contrabajista y bandoneonista del tango Argentina, murió en 1992.