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domingo, 3 de marzo de 2024
miércoles, 14 de febrero de 2024
Analisis Opera La Bohème
Diseño de la opera.
La Bohème" se clasifica dentro del subgénero de ópera verista, que se caracteriza por retratar situaciones y personajes realistas de la vida cotidiana, a menudo con un enfoque en las emociones humanas intensas, los conflictos personales y las relaciones interpersonales. Esta ópera sigue la vida de un grupo de jóvenes bohemios en el París del siglo XIX, centrándose en las relaciones amorosas, la amistad y las luchas económicas y sociales.
Score.
https://imslp.org/wiki/La_boh%C3%A8me%2C_SC_67_(Puccini%2C_Giacomo)
Tonalidad.
"La Bohème" de Giacomo Puccini es una ópera en cuatro actos que presenta una variedad de tonalidades musicales a lo largo de la obra. Puccini emplea una paleta tonal rica y variada para reflejar las emociones y los estados de ánimo de los personajes y las situaciones dramáticas. Algunas de las tonalidades principales presentes en "La Bohème" incluyen:
Fa Mayor: Esta es la tonalidad principal en la que comienza y termina la ópera. La tonalidad de Fa Mayor a menudo se asocia con el amor, la esperanza y la felicidad, lo que refleja el romance entre los personajes principales al comienzo de la obra.
Do Mayor: Esta tonalidad se usa en momentos de celebración y alegría, como en la escena de la fiesta en el Café Momus en el segundo acto.
Si menor: Puccini utiliza esta tonalidad en momentos de tensión y tragedia, como en la escena final del tercer acto cuando Mimì y Rodolfo tienen una discusión.
Mi bemol Mayor: Esta tonalidad se utiliza en momentos de contemplación y melancolía, como en los pasajes líricos y emotivos de la ópera.
Cambios tonales:
Acto 1:
Un ejemplo común de cambio de tonalidad mayor a menor en este acto ocurre al final del dúo entre Rodolfo y Mimì "O soave fanciulla". Aquí, la música cambia de Fa Mayor (la tonalidad principal del acto) a Si menor cuando Rodolfo expresa su temor a perder a Mimì.
Acto 2:
En este acto, uno de los momentos más notables de cambio de tonalidad mayor a menor ocurre en la escena en la que Mimì y Musetta cantan sus respectivas arias, "Mi chiamano Mimì" y "Quando me'n vo'". Después de la aria animada y en Fa Mayor de Musetta, la música cambia a Mi menor cuando Mimì expresa su preocupación por su relación con Rodolfo.
Acto 3:
Un cambio de tonalidad mayor a menor ocurre durante la conmovedora aria de Mimì "Donde lieta uscì". La música cambia de La bemol Mayor (la tonalidad de la escena) a Do sostenido menor cuando Mimì habla sobre la tristeza de tener que dejar a Rodolfo.
Acto 4:
Uno de los cambios más importantes de tonalidad mayor a menor ocurre hacia el final del acto, durante la emotiva aria de Rodolfo "Sono andati? Fingevo di dormire". La música cambia de Si bemol Mayor (la tonalidad principal del acto) a Mi bemol menor cuando Rodolfo reflexiona sobre la muerte de Mimì.
Tonalidades principales
La ópera comienza y termina en Fa Mayor, lo que establece una sensación de estabilidad y resolución.
Puccini utiliza una variedad de tonalidades para reflejar diferentes emociones y situaciones a lo largo de la ópera, como Do Mayor para momentos de alegría y Si menor para momentos de tensión y tristeza.
Progresiones armónicas:
Puccini emplea progresiones armónicas que van desde lo simple hasta lo complejo para expresar una variedad de emociones. Por ejemplo, acordes simples como el acorde de tónica (I), subdominante (IV) y dominante (V) se utilizan en momentos de calma y estabilidad, mientras que progresiones armónicas más complejas se utilizan en momentos de conflicto y emoción intensa.
El uso de acordes disonantes y tensiones armónicas también es común en momentos de drama y conflicto en la trama.
Leitmotifs:
Puccini utiliza leitmotifs, o motivos musicales recurrentes asociados con personajes, lugares o emociones específicas, para desarrollar la trama y los personajes. Estos leitmotifs pueden ser simples motivos melódicos o progresiones armónicas que se repiten a lo largo de la ópera para enfatizar ciertos temas o emociones.
Cromatismo:
Puccini emplea el cromatismo para agregar color y profundidad emocional a la música. El uso de notas cromáticas fuera de la escala tonal principal puede crear un sentido de tensión y anticipación, especialmente en momentos de conflicto y pasión.
Contrastes armónicos:
La ópera presenta una variedad de contrastes armónicos para resaltar los cambios en el estado de ánimo y la situación dramática. Por ejemplo, Puccini puede cambiar abruptamente entre tonalidades mayores y menores para reflejar cambios repentinos en la trama o en el estado emocional de los personajes.
Tempo:
La Bohème" de Giacomo Puccini contiene una variedad de tempos a lo largo de la obra, dependiendo de la escena y el contexto emocional de la música.
Lento: Se utilizan tempos lentos en momentos de contemplación, tristeza o emociones profundas. Por ejemplo, en las arias líricas o en escenas de gran intensidad emocional.
Andante: Este tempo moderado se usa para mantener un ritmo constante en muchas partes de la ópera. En escenas de conversación o en momentos de desarrollo de la trama, es común encontrar tempos andantes.
Allegro: Este tempo rápido se emplea en momentos de alegría, celebración o acción dramática. Por ejemplo, durante escenas de fiesta o en pasajes de gran energía emocional.
Adagio: Similar al tempo lento, el adagio se usa para crear una atmósfera de serenidad y calma en ciertas partes de la ópera.
Moderato: Este tempo moderado se encuentra en muchas partes de la ópera y se utiliza para mantener un ritmo constante y fluido en la música, especialmente durante diálogos o momentos de transición.
En "La Bohème" de Giacomo Puccini, los tempos pueden variar según la interpretación específica de cada director y la dinámica del elenco.
Acto 1:
Introducción: Andante o Moderato, estableciendo el escenario y presentando a los personajes principales.
Escenas de conversación entre los personajes: Andante o Moderato, para mantener un ritmo constante durante los diálogos.
Aria de Rodolfo "Che gelida manina": Andante o Moderato, con momentos de rubato para expresar la emotividad del personaje.
Dúo entre Rodolfo y Mimì "O soave fanciulla": Andante o Moderato, con pasajes más lentos en los momentos más íntimos y emotivos.
Acto 2:
Escenas en el Café Momus: Allegro, para reflejar la energía y la animación del lugar.
Aria de Musetta "Quando me'n vo'": Andante o Moderato, con momentos de rubato para enfatizar la expresividad de la voz.
Dúo entre Marcello y Musetta "Gioventù mia, tu non sei morta!": Andante o Moderato, con pasajes más enérgicos y emotivos.
Acto 3:
Escena en el Barrio Latino: Andante o Moderato, con momentos de tensión y emotividad.
Aria de Mimì "Donde lieta uscì": Andante o Moderato, con momentos más lentos para expresar la delicadeza de la voz.
Cuarteto entre Rodolfo, Marcello, Mimì y Musetta "Addio, dolce svegliare alla mattina!": Andante o Moderato, con momentos de intensidad emocional.
Acto 4:
Escena en el ático de Rodolfo: Andante o Moderato, con momentos de profunda introspección y tristeza.
Aria de Rodolfo "Sono andati? Fingevo di dormire": Andante o Moderato, con momentos de rubato para expresar la angustia del personaje.
Dúo entre Rodolfo y Mimì "Mimì! Speravo di trovarvi qui": Andante o Moderato, con pasajes más lentos y emotivos a medida que se acerca el desenlace.
Compas:
Compás de 4/4 (cuaternario): Este es el compás más común en la ópera y se utiliza en una variedad de contextos, desde pasajes líricos hasta momentos más enérgicos. En los pasajes más rápidos y animados, como en las escenas de fiesta, es común encontrar ritmos vivaces en compás de 4/4.
Compás de 3/4 (ternario): Se utiliza en momentos más solemnes o líricos, especialmente en arias y pasajes de duetos. Este compás se encuentra a menudo en pasajes de mayor emotividad y expresividad vocal.
Compás de 2/4 (binario): Aunque menos común que los compases anteriores, el compás de 2/4 se utiliza a veces en pasajes más rápidos y rítmicos para crear una sensación de impulso y energía, como en ciertos momentos de diálogo o acción dramática.
Compás de 6/8 (sextuplicado): Este compás se utiliza en pasajes que requieren un ritmo más fluido y ondulante, a menudo asociado con pasajes líricos o emotivos que requieren una mayor flexibilidad rítmica.
Compases irregulares: En algunos pasajes más expresivos o dramáticos, Puccini podría emplear compases irregulares para crear un efecto de tensión o inestabilidad, rompiendo la regularidad rítmica y subrayando la intensidad emocional del momento.
Acto 1:
Compás de 4/4 (cuaternario): Este compás es común en las secciones más animadas del primer acto, como en la escena de la fiesta en el Café Momus.
Compás de 3/4 (ternario): También se utiliza en pasajes líricos y arias, como en el aria de Mimì "Mi chiamano Mimì".
Acto 2:
Compás de 4/4 (cuaternario): Este compás puede encontrarse en pasajes más animados, como durante la escena del Café Momus.
Compás de 6/8 (sextuplicado): Se utiliza en algunos pasajes líricos para crear un ritmo más fluido y ondulante.
Acto 3:
Compás de 4/4 (cuaternario): Es común en las secciones más dramáticas y emotivas del tercer acto.
Compás de 3/4 (ternario): También se utiliza en pasajes líricos y arias.
Acto 4:
Compás de 4/4 (cuaternario): Puede encontrarse en las secciones más introspectivas y emotivas del acto final.
Compases irregulares: En momentos de gran tensión emocional, Puccini podría emplear compases irregulares para subrayar la intensidad del drama.
Cadencias.
Acto 1:
Cadencias auténticas (perfectas): Estas cadencias, que implican una progresión de acordes de dominante a tónica (V-I), son comunes al final de secciones o arias en las que se resuelve la tensión armónica.
Cadencias plagales: Menos comunes pero aún presentes, estas cadencias implican una progresión de acordes de subdominante a tónica (IV-I). Se pueden encontrar en momentos líricos o emotivos.
Acto 2:
Cadencias auténticas (perfectas): Continúan siendo comunes en este acto, especialmente al final de las arias o secciones emocionales.
Cadencias de medio cadencia: Estas cadencias, que terminan en un acorde de dominante (V), crean una sensación de suspensión y se utilizan a menudo para mantener el interés antes de una resolución completa.
Acto 3:
Cadencias auténticas (perfectas): Se siguen utilizando en momentos de resolución emocional o conclusión de secciones.
Cadencias plagales: Podrían encontrarse nuevamente en momentos líricos o emotivos.
Acto 4:
Cadencias auténticas (perfectas): Se utilizan para marcar momentos de resolución y conclusión en el acto final.
Cadencias de medio cadencia: Pueden emplearse para crear una sensación de suspensión antes del clímax musical o emocional.
Personajes.
Mimi
Las elecciones musicales están relacionadas con esa característica: una tesitura acotada y ausencia de acrobacias melódicas. Como en todas sus obras de madurez, Puccini deja de lado las voces ligeras y la coloratura.
Musetta
Antítesis de Mimí: desinhibida, histriónica y vivaz. Al principio, parece que Musetta sólo quiere divertirse, pero en el fondo es generosa y amable. Excepto el vals lento del segundo acto, con un uso pleno del registro agudo, el carácter general del personaje se manifiesta musicalmente a través de cierta exuberancia en la línea melódica.
Cuatro amigos Bohemios
Rodolfo (Poeta, tenor)
Rodolfo se gana la vida como puede, vive en un mundo de ensoñación, y se enamora perdidamente de Mimí. Pero los celos lo hacen tomar decisiones equivocadas. Ni ligero ni heroico, por lo general, es interpretado por un tenor lírico.
Marcello (Pintor, barítono)
Amigo de Rodolfo, tiene gran confianza en su talento. Ama a Musetta, pero sus coqueteos constantes lo terminan alejando de ella. Se trata de un barítono particular, requiere diversos registros vocales: cercano a la escritura de Rodolfo en el primer acto, al de Musetta en el segundo y al patetismo de Mimí en el tercero. La presencia y la alegría son características importantes del personaje.
Colline (Filósofo, bajo)
Amigo de Rodolfo. No tiene una historia de amor, sus sentimientos los expresa a su abrigo andrajoso que empeña para ayudar a Mimí en el aria Vecchia zimarra.
Schaunard (Músico, barítono)
Amigo de Rodolfo, es vivaz y elegante.
Datos históricos.
La Bohème se estrenó en Turín, Italia, el 1º de febrero de 1896, bajo la batuta de Arturo Toscanini. En ese entonces, era un director desconocido de 28 años, pero ya ostentaba un carácter difícil y un inflexible criterio artístico: se negaba a repetir un aria, porque lo consideraba un sacrilegio contra la obra.
Luego de la primera representación, la crítica de la época fue reticente y profetizó un futuro efímero para la obra. La mayor parte de los críticos coincidieron en que la ópera de Puccini era trivial y alejada de las intensas y profundas pasiones que el compositor había señalado en su éxito anterior, Manon Lescaut.
En las obras de Puccini se cuelan los conflictos de la época y sus padecimientos: la desesperación y la destrucción, el pesimismo, la angustia y la impotencia.
La Bohème fue creada a fines del siglo XIX, más puntualmente en el período convulsionado que va desde 1880 hasta 1910. Desintegrado el viejo orden y las viejas creencias sobre los valores morales y sociales, la marca del período fue la inestabilidad espiritual.
El realismo o el verismo representaron la desesperación y la desilusión del fin de siglo, imponiéndose frente al sentimentalismo del romanticismo y sus idealizaciones.
La fealdad de la naturaleza humana, la enfermedad física y mental, e incluso la anormalidad, se incorporaron como nuevos tópicos en el arte. La tuberculosis fue una enfermedad contagiosa tan común en el siglo XIX que fue tema en varias obras. Para las mujeres solteras, víctimas de la enfermedad (como el personaje de Mimí), sobrellevarla era más duro y, peor aún, en un contexto de pobreza.
Lenguaje musical.
El compositor creó su obra desde el piano. “Cuando componía la muerte de Mimí y había hallado esos acordes lentos y lúgubres que la acompañan, los tocaba al piano una y otra vez, y al hacerlo me asaltaba una congoja que a veces tenía que levantarme y, en medio de la habitación, solo en la avanzada noche, estallaba en sollozos como un niño”, contó Puccini a su biógrafo Fraccaroli.
Cuando Puccini escribió la música de La Bohème existía cierto eclecticismo estilístico: el Verismo, el Romanticismo, el Simbolismo, el Naturalismo, etc. Pero más allá de todos los “ismos”, en el género lírico hubo un avance importante y tuvo que ver con la caída en el olvido de la ópera concebida en números cerrados a favor de la generalización de la idea del drama continuo.
La alternativa frente al número cerrado fue el leitmotiv: contribuía a la cohesión de la obra a través de la recreación de una atmósfera musical determinada en varios puntos de la ópera. Puccini adoptó la técnica en sus obras de madurez. Unió la ópera dividida en arias, conjuntos y recitativos (de la tradición verdiana) con la continuidad musical de Wagner y con una adopción idiosincrásica del leitmotiv wagneriano.
Además de los personajes, los objetos -el manguito, la estufa, la gorra o el abrigo de Colline- están vinculado a un motivo musical propio. En relación con esos motivos evocadores que se entretejen en las escenas, cada una de las óperas de Puccini tiene un sonido característico.
Otro elemento distintivo es la música para describir las escenas de la trama de forma característica. Una suerte de música “atmosférica”, como la que escribió para los dos comienzos del segundo acto y del tercero, una mañana de invierno en Barrière d’Enfer.
Puccini describe esta escena con efectos sonoros, mezclando el xilofón y el arpa, creando un efecto impresionista. En un sentido, La Bohème es una ópera de “ambientes”: el primer acto transcurre en una buhardilla, el segundo en el Café Momus con el exultante clima navideño, el aislamiento invernal del tercero en la Barrière d'Enfer (en las afueras de París) y el cuarto cierra con una lúgubre atmósfera, de nuevo en la buhardilla.
Por otro lado, cada uno de los cuatro actos funciona como cuatro movimientos de una sinfonía. El primero, a modo de un Allegro y luego Adagio, es expositivo. Presenta los personajes y condensa todo el material melódico y armónico.
El segundo, como un Scherzo. El tono más melancólico del tercer acto, con un tratamiento orquestal más camarístico, sería un Adagio. El cuarto y último tiene una función recapitulativa, pero con otra significación: Mimí vuelve a cantar la línea “Me llaman Mimí; ¿por qué? No lo sé”, pero no resuelve, porque el retorno del pasado es inexorable como el carácter irrecuperable de la juventud, metáfora que recorre la obra.
Puccini fue contemporáneo de Gustav Mahler, Richard Strauss, Claude Debussy, el lenguaje sonoro de La Bohème no solo tiene las bases de la tradición operística italiana, sino también los elementos del romanticismo tardío (arias y dúos de amor del primer y último acto), del impresionismo (comienzo del tercer acto) y del verismo (algunos pasajes del segundo acto).
Por otro lado, todas esas corrientes se funden en un estilo único, y La Bohème se proyecta en los comienzos del siglo XX, con las grandes rupturas de la tradición, sobre todo la tonalidad. “Contra todo y contra todos, componer óperas con melodías”, dejó escrito de su puño y letra Puccini en un manuscrito.
En la melodía, Puccini une todo con una intensidad irresistible: las palabras, la acción, emoción y el puro sonido vocal. Todo lo que sucede en la escena tiene su correlato en la música y al revés. La eficacia dramática funciona cercana a una dramaturgia fílmica. La continuidad, la direccionalidad, se desarrollan de manera similar a la dinámica de un film.
lunes, 4 de diciembre de 2023
BASS CONGRESS
Congresos en Europa.
Italia. Cremona
Exibición Cremona musica.
La Cremona Musica es el evento más importante a nivel mundial de los instrumentos musicales acusticos , tiene lugar en el corazón de Italia, en Cremona. Cada septiembre, esta impresionante feria abre sus puertas y da la bienvenida a miles de entusiastas de la música, profesionales y fabricantes de instrumentos. La feria es organizada por CremonaFiere S.p.A.
La Cremona Musica tendrá lugar en 3 días de viernes, 27. septiembre a domingo, 29. septiembre 2024 en Cremona.
Fecha:
27.09.2024 - 29.09.2024
viernes - domingo, 3 días.
Link: cremonamusica
Alemania. Mannheim.
Guitarsummit en Alemania.
Cuenta con los principales fabricantes de bajos y accesorios eléctricos. Aquí podrá hablar directamente con los fabricantes, distribuidores y constructores,como curiosidad en Mannheim nació el legendario fabricante de instrumentos Friedrich Gretsch.
Viernes 27.09. - Dom 29.09.2024 .
Entrada anticipada de 3 días
¡Estrictamente limitada! Precio. 49€.
Dirección
Congress Center Rosengarten Mannheim
Rosengarten Square 2
68161 Mannheim
Production & Ticketing
Paul Misic
misic@guitarsummit.de
+49 (731) 880052-038
Program Director (workshops & concerts)
Stephan Killermann
killermann@guitarsummit.de
+49 (731) 880052-184
Marketing, Press & Media Design
Frank Diesveld
diesveld@guitarsummit.de
+49 (731) 880052-183
Exhibitors & Sponsoring
Christina Hoss
hoss@guitarsummit.de
+49 (731) 880052-077
Link: guitarsummit
Congresos en EEUU.
Namm. California.
NAMM es como la Super Bowl de la industria musical.Se celebra anualmente, cada enero, en Anaheim, California.
Toll Free Member Hotline: 1-800-767-6266
Telephone: +1.760.438.8001
Fax: +1.760.438.7327
Mailing Address:
NAMM
5790 Armada Drive
Carlsbad, CA 92008 USA
Link: namm.
martes, 22 de noviembre de 2022
ANATOMIA DE LA MADERA
Propiedades acústicas de la madera de contrabajo.
A pesar de todos los avances recientes en la ciencia de los materiales, la madera sigue siendo el material de construcción elegido para la mayoría de los instrumentos musicales en todo el mundo.
La madera es un material con propiedades elásticas y de resistencia, de ellas dependen de la dirección de la fuerza con respecto a la fibra.
Las propiedades acústicas más importantes para seleccionar materiales para instrumentos musicales son: la velocidad del sonido dentro del material, la impedancia característica, el coeficiente de radiación del sonido y la disipación de la energía vibratoria (amortiguación del material). Según Ashby el valor del amortiguamiento material (en términos de, a 303 K) de madera se espera que esté en la región entre 0,1 y 0,01. Teniendo en cuenta la clasificación de Golovin , los materiales de bajo amortiguamiento tienen un valor de por debajo de 0,1, mientras que para un alto amortiguamiento se considera que es superior a 1. Por lo tanto, la madera puede considerarse un material de bajo amortiguamiento.
El envejecimiento de la madera natural implica diferentes reacciones químicas, como la degradación oxidativa de los polisacáridos amorfos y la cristalización de la celulosa. El aumento de la cristalinidad puede explicarse como la cristalización en casi cristalinos de regiones amorfas debido al reordenamiento o reorientación de las moléculas de celulosa dentro de estas regiones; la mayor cristalización en la celulosa de la madera puede deberse a la cristalización en las hemicelulosas
La amortiguación de la madera de abeto vieja disminuyó con la disminución del contenido de humedad
La amortiguación material de la madera de abeto nueva es generalmente más alta que la de la madera de abeto vieja. A temperatura ambiente con una humedad relativa del 55 %, el contenido de humedad esperado de la madera de abeto es de alrededor del 10 % Se busca un contenido de humedad en torno a este valor cuando se afina un piano antes de tocarlo en conciertos. El amortiguamiento más bajo de la madera vieja sugiere que la duración de la oscilación y, por lo tanto, la duración del sonido será mayor y la amplitud de la vibración se puede aumentar sin esperar un amortiguamiento significativamente mayor. A partir de estas propiedades, es bastante comprensible por qué los constructores de guitarras y violines otorgan gran importancia a la madera depositada.
Las pérdidas mecánicas en la madera se encuentran en función de una serie de parámetros, mientras que debe señalarse que la madera es un material compuesto con varios constituyentes macromoleculares que reaccionan significativamente a un tratamiento térmico o proceso de secado. Una demarcación clara de las propiedades mecánicas de la madera de abeto vieja y nueva no parece estar clara. Debido a la degradación de los componentes de las celdas, se debe determinar si las mediciones de amortiguamiento dependientes de la temperatura también conducen a un comportamiento de amortiguamiento diferente de las maderas. El contenido de humedad de la madera puede alterar significativamente su calidad de sonido y, por lo tanto, su comportamiento de amortiguación. Para estudiar la influencia de la humedad, se investigó el comportamiento de secado individual de abetos de casi 130 años y madera de abetos nuevos mediante mediciones de amortiguamiento en función de la temperatura. Se encontró que la amortiguación del material de la madera de abeto nueva era generalmente más alta que la de la madera de abeto vieja. Es más, Los resultados anteriores mostraron que la amortiguación de la madera nueva es menos sensible a los cambios en el contenido de humedad, lo que corresponde a un tono de color estable. Las energías de activación para los mecanismos de amortiguamiento se calcularon con base en los datos del diagrama de Arrhenius de ambas maderas. Estos resultados sugieren que en la madera de abeto nueva están activos mecanismos de amortiguación adicionales o más fuertes.
Madera.
Abeto:
Arce: La madera de arce permite generar sonidos brillantes y llenos de tonos transparentes medios-altos. Los Sonidos agudos y finos que con el tiempo se asienta y armonizan, es muy resistente.
Densidad: Madera semipesada, con una densidad aproximada de 700 kg/m3 al 12% de humedad. Dureza: Se trata de una madera semidura con 4,5 en el test de Monnin
Durabilidad: Moderada. Durable frente a hongos, susceptible al ataque de insectos.
Ébano: Es originaria de la mitad sur del continente africano, más concretamente de países como Gabón, Mozambique, Tanzania, Madagascar, Congo o Zambia
El Ébano es una madera exótica de una densidad muy alta, Esta madera le añade un toque brillante y dinámico al sonido del instrumento, por su alta densidad, aporta un sonido grave y de mayor volumen, muy deseado para esta parte del instrumento.
Densidad: El ébano es una madera muy densa, en torno a 1.050 kg/m3. Es una de las especies que se hunde en el agua debido a su densidad, mayor que la del agua.
Durabilidad: Es resistente frente al ataque de hongos e insectos. Buen comportamiento frente a la humedad.
Color: color oscuro, casi negro. Estos tonos oscuros los encontramos en el duramen, aunque en alguna ocasión aparecen líneas marrones o grises. Por otro lado, la albura puede tener tonos claros y está claramente delimitada.
Pernambuco: La madera es de veta fina, recta y uniforme, con poros abiertos de pequeño tamaño. Tiene un peso específico de 0,95-1,1 y su dureza es alta.
Una de sus principales características, es su elasticidad bastante elevada, tiene gran resistencia a la deformación al ser sometida a determinados esfuerzos. Es esta característica la que hace de ella una madera idónea para la construcción de arcos,
sábado, 11 de junio de 2022
CHORD WEEK DbMAJ7
Acorde , DbMaj7 y su inversión.Esta es el primer acorde transcrito perteneciente a esta progresión de acordes , interpretada originalmente en piano ,transcrito para bajo de cinco cuerdas con C agudo, perteneciente al tema de Stevie Wonder: I can't Imagine love without you.
martes, 29 de marzo de 2022
STRING C AND F
HAZ CLICK EN LA IMAGEN PARA VER INSTRUCCIONES DE USO
CUERDA DO - F AGUDA
Uno de los problemas a la hora de poder cambiar de cuerdas son las configuraciones disponibles en el mercado. Generalmente para poder personalizar una configuración propia ,hay que comprar diferentes juegos con diferentes calibres , para poder obtener un juego de cuerdas apropiado.
Eso suelo ocurrir especialmente cuando usamos un C agudo en el bajo, ya que en las tiendas no suelen tener cuerdas sueltas y sobre todo, si son de esos calibres.
Tanto en C agudo como F agudo, requieren unos calibres especiales por su tensión, en C agudo va de 30 a 35 siendo ideal 30 y en F agudo lo mejor es de 20 a 22, la falta de cuerdas sueltas disponibles , hace que haya que comprar juegos completos destinados para bajos de 6 a 8 cuerdas, donde no hay mucha variedad de marcas con variedad de calibración de cuerdas.
Lo ideal para la cuerda C , es un calibre de 30 o 32,yo suelo usar en bajos de cinco cuerdas una configuración de , 95 75 60 40 32 , mezclando las cuerdas de dos juegos de la marca XL.
Para las cuerdas de Black Nylon, que recomiendo siempre por su sonido y respuesta , son la Bella 750N ,esta marca dispone un juego de 6,donde utilizo también el C agudo.
Para bajos de 6 cuerdas, no utilizo el B grave ,la configuración que utilizo es E A D G C F.
Si se necesita saber la medida se puede utilizar , un Pie de Rey o un Micrómetro.
(C) (G) (D) (A) (E) (B)
Ligero 028 040 55 70 95 100
Medio 030 045 65 75 100 105
Grueso 032 050 75 95 105 110
Extra G. 035 060 85 100 105 130
viernes, 4 de marzo de 2022
CHORD WEEK 3 MARZO
jueves, 24 de febrero de 2022
IMPROVE YOUR RESISTANCE
Base 1.
10 Arpegios.
10 Escalas.
10 Frases.
10 minutos de tresillos.
10 minutos de semicorcheas.
10 minutos aumentando la velocidad haciendo los mismos ejercicios.
"Estos 6 Ejercicios en menos de media hora"
jueves, 13 de enero de 2022
CHORD WEEK 1 ENERO
Gb/B
Dedo índice Cejilla, El dedo medio o corazón, da la posibilidad de cambio harmónico con bajo B.
Escalas para improvisar en este acorde.
Gb Ionico
B Ionico
Db Dorico
Ab Dorico
Eb Frigio
Bb Frigio
E Lidio
B Lidio
Db Mixolidio
Gb Mixolidio
Eb Aeolico
Ab Aeolico
F Locrio
Bb Locrian
B Melódica Menor
Db Frifgia 6
D Lidia Augmentada
E Lidia Dominante
Gb Quinto Modo
Ab Locrio #2
Bb Altereda
D Bebop Major
Gb Bebop Major
B Bebop Major
Db Bebop Menor
Gb Bebop Menor
Ab Bebop Menor
Db Bebop Dominante
Gb Bebop Dominante
B Bebop Dominante
B Bebop Melodica Menor
Gb Harmonica Major
B Harmonica Major
B Harmonica Menor
Gb Doble Harmonica Major
B Hungara Gypsy
Gb Frigia Dominante
Bb Neapolitana Menor
C Enigmatica
F Eight-tono Española
Bb Eight-tono Española
Bb Balinese Pelog
Db Oriental
Db Simmetrica
Bb Simmetrica
sábado, 4 de septiembre de 2021
NEW TECNICH BASS PARADILE JPR JME
El bajo es relativamente un nuevo instrumento tanto en su evolución física como técnica,
durante el transcurso de los años, han surgido diferentes técnicas y maneras en su ejecución .
Esta nueva técnica, esta basada en la técnica del paradile, inventada por mi maestro , músico y bajista Juan Pablo Ruiz ,de forma que su ejecución, es realizada a través de la pulsación del pulgar índice y anular sobre las cuerdas por cada nota, esta forma de ejecución amplia la técnica de dos dedos y facilita la pulsación sobre las cuerdas gracias a la posición asentada de la mano quedando mejor colocada ergonómicamente, conllevando a una mejora en los resultados en la pulsación ,matización y velocidad en la interpretación.
Su técnica es ampliable a los cuatro dedos pero estos ejercicios están basados en movimientos de tres dedos ,distinguiendo dos movimientos principales llamados JPR y JME.
PD:Los ejercicios los podeis encontrar, en el apartado de páginas NEW TECNICH.
durante el transcurso de los años, han surgido diferentes técnicas y maneras en su ejecución .
Esta nueva técnica, esta basada en la técnica del paradile, inventada por mi maestro , músico y bajista Juan Pablo Ruiz ,de forma que su ejecución, es realizada a través de la pulsación del pulgar índice y anular sobre las cuerdas por cada nota, esta forma de ejecución amplia la técnica de dos dedos y facilita la pulsación sobre las cuerdas gracias a la posición asentada de la mano quedando mejor colocada ergonómicamente, conllevando a una mejora en los resultados en la pulsación ,matización y velocidad en la interpretación.
Su técnica es ampliable a los cuatro dedos pero estos ejercicios están basados en movimientos de tres dedos ,distinguiendo dos movimientos principales llamados JPR y JME.
PD:Los ejercicios los podeis encontrar, en el apartado de páginas NEW TECNICH.
Espero que sirvan para descubrir y experimentar nuevas formas de interpretar.
sábado, 10 de julio de 2021
LA REGLA DEL WALKIN: RPR
7 ☈ ECRET RULES GOLD FOR LEARN WALKIN BASS
La biblia del walkin: Ron Carter, Paul Chambers,Ray Brown.
1 Memorizar secciones en todas las tonalidades de transcripciones.
2 Estudiar solos y líneas walkin de Paul Chambers.
3 Sacar patrones y aplicarlos independientemente por acordes.
4 Secuenciar solos y líneas y estudiarlos con metrónomo.
5 Transcribir y tocar la misma línea de bajo,con diferentes compases.
6 Copiar frases y estudiar masterclass de maestros del contrabajo.
7 Construye tus propias frases ,grábalas y escríbelas.
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