Brian Keith

 

Brian Keith " Herbie " Flowers (19 de mayo de 1938 - 5 de septiembre de 2024) fue un músico inglés especializado en bajo , contrabajo y tuba . Fue miembro de grupos como Blue Mink , T. Rex y Sky y también fue un prolífico músico de sesión ,murio el 9 septiembre de 2024 a los 86 años de edad.

Grabaciones.

Walk On The Wild Side. Lou Reed

Herbie Flowers, fue el creador en 1972 del famoso riff de 'Walk On The Wild Side' de Lou Reed para el disco 'Transformer',fue interpretada superponiendo un bajo vertical con un Fender sin trastes y  grabado en los estudios Trident de Londres. Bajista británico,  en una entrevista de 2005 dijo que, como músico de sesión, le pagarían dos veces por tocar dos instrumentos en la misma pista, finalmente recibió sólo 17 libras por su trabajo.

ENTREVISTA.

Space Oddity' de David Bowie.

tocó el bajo en 'Space Oddity' de David Bowie,sobre el bajo por 'Space Oddity' recibio 9 libras por una sesión de tres horas,

Grabo para medio millar de grandes hits , como 'Cononut' de Harry Nilsson, Elton John, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Roger Daltrey, Bryan Ferry, Dave Essex o Albert Hammond.

Un notable concierto de fusion sonora con paisajes sonoros ,donde  podemos disfrutar del fantastico acompañaimento de este bajista.

CONCIERTO :SKY» Live (Bremen, Germany, 1980) | Kevin PEEK\John WILLIAMS\Steve GRAY\Herbie FLOWERS\Tristan FRY

Rutger Gunnarsson

Bajo Ibanez mc1979

Rutger Gunnarsson fue reclutado para tocar el bajo en una gira de Hootenanny Singers con Björn (y Benny) en 1972. En junio de ese año tuvo su primera sesión de grabación, tocando el bajo en una sesión que incluyó el eventual lado B de 'Ring Ring', 'Åh, vilka tider'.  

Rutger tocó el bajo en todos los álbumes de ABBA, hasta los últimos sencillos de 1982, así como en sus giras de conciertos de 1977, 1979 y 1980, y en el concierto televisivo Dick Cavett Meets ABBA . Estuvo en el escenario (con el baterista Ola Brunkert) cuando ABBA ganó el Festival de Eurovisión en 1974. Escribió la mayoría de los arreglos de cuerdas para ABBA cuando se le pidió a partir de 1976. Excluyendo a los cuatro miembros de ABBA, es el músico que ha aparecido en más grabaciones de ABBA.

En 1974, sobregrabó las voces de una grabación inédita de Björn y Benny de 1971, 'Svea Svea', con coros de los cuatro miembros de ABBA, que se lanzó como sencillo novedoso.

Después de ABBA su colaboración continuó, tocando el bajo para Benny y Björn en el álbum conceptual Chess (1984), el primer álbum de Gemini (1985) y el álbum de Josefin Nilsson, Shapes (1993).

Tocó el bajo en los álbumes de Frida Frida ensam (1975) y un par de canciones en Shine (1984), los álbumes de Agnetha Wrap Your Arms Around Me (1983) y Eyes Of A Woman (1985), y también produjo su sencillo 'It's So Nice To Be Rich' (1983).

En 2005, Rutger fue miembro de la orquesta cuando Mamma Mia! tocó en Estocolmo. Tocó el bajo en el CD de grabación del elenco sueco ese mismo año y también se unió a Benny y otros músicos de las grabaciones originales de ABBA para la banda sonora de la película en 2008.

 Bajo Hagstrom.

Rutger Gunnarsson ,toco entre otros  con un  un bajo Hagstrom Super Swede Bass 1980 - 1981

El Hagstrom Super Swede Bass fue el último modelo que lanzó Hagstrom. Se inició su producción en 1980 y en 1981 dejó se comercializarse. Hagstrom ya se encontraba con problemas y la fábrica sueca cerró en 1983. La marca dejó de existir hasta que en 2004 fue comprada por una empresa americana y se inició una nueva etapa.

El Super Swede Bass es un bajo tipo jazz bass con pastillas con mucha salida. Es de escala larga. El Hagstrom Jazz Bass (y Scanbass) y el Super Swede son los únicos bajos Hagstrom de escala 34". Los demás son de escala 30,75" o 32". El bajo fue diseñado en colaboración con Rutger Gunnarsson (bajista de Abba)

Solo se construyeron 356 por lo que es un bajo poco frecuente. Curiosamente los tres super swede de los que he enlazado vídeos (Abba, The Cardigas y los del post anterior) corresponden a bajistas suecos.

 Hagstrom  decidio reeditarlo pero en la sere nothern, es decir, fabricado en Suecia y no en China. Es un bajo muy fiel al original y el de más calidad de los que se comercializan ahora por Hagstrom por lo que lógicamente su precio es más alto (algo más de 2.000 euros)

Bajo Ibanez mc.

Rutger Gunnarsson ,tambien toco con un bajo ibanez modelo musician.

Ibanez fabricó el bajo musician desde 1979,hizo una serie de 6 modelos, los mc924ds,mc940ds,mc824ds hasta 1987 ,dos modelos solo eran producidos y disponibles en Japon,cada dos años se realizaron modificaciones de los modelos producidos,utilizaron la isma numeracion para los modelos nuevos con alguna variante de alguna letra como MC2924WN o  MC2940AM.

Ibanez en los 70 y 80 empezo a competir con los constructores americanos ,los instrumentos para principiantes los llamaron CIMAR, las bases baratas de ibanez eran los ROADSTER (RS824,900,924) luego vino la serie BLAZER (BL700TV,BL700NT, BL800TV ,BL800BS, BL800 BK), que copetian con los FENDER los instrumentos fueron entregados a musicos famosos y puestos en catalogos.

El mastil era de cinco piezas que atravesaba todo el cuerpo tres piezas de arce y dos de nogal ,con tres diferentes barras de acero como alma de diferentes longitudes paa evitar puntos muertos.

El diseño del mastil fue equilibrado ya quer mantiene un tono constante.El punte es de liberacion de gran masa aunque este fue variando segun los modelos.Los modelos activos llamados mc 924, tenian diaspasones de ebano y los modelos pasivos los mc824 eran de palisandro.

Analisis general linea Bajo.

Dancing Queen (1976) Abba se vio influenciado por el relajado sonido proto-disco del gran éxito mundial "Rock Your Baby" de George McCrae en 1974. Querían recrear ese ritmo relajado pero conmovedor .  La línea rítmica y melódica que utiliza la raíz, la quinta, la sexta y la octava ancla la melodía y, a veces, se desplaza rítmicamente  haciendo un uso efectivo de los tonos de pedal y, en particular, de los tonos de paso escalares y cromáticos. Los slides y las notas fantasma realzan el impulso de la pista.

Knowing Me Knowing You (1976) La línea de bajo de la estrofa tiene un sonido claramente poco convencional, melódico y contramelódico, se escucha ecos  en la forma en que Mick Karn toca en el Japón de los primeros tiempos. Gunnarsson presta mucha atención a la duración de las notas, que varía enormemente a lo largo de una pista de cuatro minutos, adaptandose a la música.

Money, Money, Money (1976) presenta un bajo más pulsante. La línea de Gunnarsson alterna entre seguir la melodía (estribillo), pulsar y tocar rellenos expresivos (verso) o duplicar las líneas dramáticas de guitarra en los enlaces instrumentales. Los deslizamientos expresivos bajo "All the things I could do" son una alegría, al igual que la forma en que claramente disfruta duplicando las partes de percusión de las melodías cerca del cierre dramático de la canción.

One Of Us (1981)  estilo relajado y un uso eficaz de las octavas, la línea de Gunnarsson es a veces melódicamente reggae. Agrega ligaduras y deslizamientos expresivos y varía cuidadosamente la duración de las notas en secciones desde lo casi percusivo hasta lo sostenido en unos pocos compases para adaptarse a la música. Esta línea tiene un ritmo que recuerda a Pastorius a veces a medida que la pista va creciendo con sonido de bajo  muy potente. 

Summer Night City (1978) (escrita para Estocolmo) tiene una línea de bajo potente y dinámica, la línea es firme y con ritmo. Esta canción suena como si la hubieran tocado tal como está escrita, con algunos rellenos, pero eso encaja con la melodía rápida y dinámica. Es una grabación que tanto Björn como Benny lamentaron públicamente haber publicado, pero es una canción que siempre he disfrutado. Ciertamente no tiene el sonido expansivo normal de las grabaciones de Abba, pero tiene ritmo.

El Contrabajo y la Sardana

 

El Contrabajo y la Sardana: Una Historia de Tradición y Técnica Musical.

Desde la edad media, la danza ha sido una parte integral de la cultura catalana, como el resto otras regiones, siente una forma de comunicación y celebración compartida a las fiestas mayores de todos los pueblos, hay que tener en cuenta que la sardana era la danza de la clase obrera, dado que las clases altas bailaban el vals.

En la Pobla de Cérvoles la sardana, es uno una danza que se baila desde hace más de setenta años. Esta danza emblemática y desconocida en su origen en Cataluña, ha evolucionado a lo largo del tiempo, gracias a figuras como José María Ventura Casas, conocido como Pep Ventura, quien redefinió y modernizó esta danza en el siglo XIX.

Pep Ventura nacido a Jaén, pero profundamente vinculado a Cataluña, consolidó la estructura musical de la sardana. No solo modernizó la danza, sino que también amplió su forma, creando la "sardana larga", con la incorporación de nuevos instrumentos a la copla, donde aparece el protagonista de este artículo " la verra " o conocido convencionalmente como contrabajo.

En las primeras formaciones de copla, la función del contrabajo era básica, generalmente centrada en el acompañamiento rítmico y armónico, reforzando las líneas graves de la música. En aquella época, la copla tenía una estructura más simple, y el contrabajo, junto con instrumentos como el flabiol y el tamboril, creaba una base rítmica fundamental.

A finales del siglo XIX y principios del XX, la copla, empezó a evolucionar hacia una estructura más compleja, introduciéndose nuevos instrumentos, como la tible, la tenora y lo fiscorn, y el contrabajo donde asumió un papel más destacado. A partir de aquel momento, su función fue no solo marcar el ritmo, sino también aportar una mayor profundidad al sonido y a la melodía.

El contrabajo generalmente tiene cuatro cuerdas, pero en la sardana y en la música tradicional siempre se ha utilizado el de tres cuerdas, afinadas en la, re y sol.

La técnica utilizada en la interpretación del contrabajo dentro de la copla también es peculiar. El músico tiene que tocar de manera precisa, con notas cortas y muy separadas, para mantener el ritmo característico de la sardana, que generalmente se escribe en compases binarios (2/4 o 6/8).

Cómo se toca en espacios abiertos, es muy importante obtener la proyección más grande posible del sonido y el contrabajo lo consigue gracias al arco y las cuerdas de tripa.

Sin el arco, el sonido se quedaría con la opción de pizzicato que se toca con los dedos y el sonido quedaría más apagado y con poca proyección. El arco hace que el instrumento se sienta más lejano claro y bonito . El instrumento reproduce las órdenes del arco, liga las notas, y sostiene lo legato, a la vegada también remarca las notas que son destacadas a la melodía y las que son salteadas.

Respeto las características del arco, junto con los diferentes tipos, estilos como los elementos que lo componen, son muy variados, y para entender mejor su importancia, mejor abordarlos en otro artículo.

Históricamente, las cuerdas de tripa, fabricadas a mano con intestino de oveja, han sido preferidas sobre las cuerdas de metal. En Vic, en la comarca de Osona, existían numerosos talleres dedicados en la manufactura de cuerdas de Tripa, como la ciudad de Barcelona.

Estas cuerdas de tripa son más suaves al tacto, y producen un sonido más cálido y grave, lo cual es ideal para interpretaciones al aire libre, donde su resonancia es más efectiva aunque son más sensibles a los cambios de temperatura y humedad.

Es cierto que las cuerdas de metal han aportado una mayor flexibilidad, estabilización en la afinación y durabilidad al instrumento, pero muchos músicos de sardana y otros géneros como el jazz y lo bluegrass continúen prefiriendo las cuerdas de tripa por su tono característico.

El contrabajo ha experimentado una evolución técnica, constructiva de materiales, diseño del arco y en la forma de interpretarlo, donde su presencia dentro de la copla es siempre notable, tanto por su imponente medida como por su sonido profundo, que proporciona estabilidad y estructura a todo el conjunto musical.

La música de la sardana moderna, también se mantiene viva, evolucionando hacia nuevos horizontes más intrincados y plenos de riqueza, todo esto contribuye al hecho que la sardana, como música y danza, sea una fusión única de personas y sonidos con un carácter identitario único y singular donde el contrabajo comparte entre el antiguo y el moderno, una nueva época.

Mike Oldfield

 

TUBULAR BELLS INTRODUCCIÓN

Un genio de la música a la altura de los más grandes de la historia.

Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum Children of the Sun en 1968 y el sencillo «Two Ships» en 1969. Por esta época, el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el «folk barroco» popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.Mike paso a la música rock, formando otro grupo de corta vida llamado Barefoot, con su hermano Terry. Eso le condujo a trabajar como bajista com 16 años con Kevin Ayers & The Whole World. Kevin Ayers había sido miembro fundador de Soft Machine, pero abandonó el grupo en 1968. Al año siguiente publicaron el álbum Joy of a Toy, que les llevó a hacer una gira en 1970.

La creación de Tubular Bells.

Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el «musical de amor-rock tribal» por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 32 kilómetros de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El equipo reunido en The Manor era de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, «todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuésemos una gran familia».

El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper, empresario que se unió a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos y ambos crearon una discográfica propia: Virgin Records. Draper tenía un amplio conocimiento musical, así que cuando escuchó las ideas de Mike, este las apoyó inmediatamente.

Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: Tubular Bells aunque en principio se barajasen nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama), título sugerido por el propio Branson, y Opus One (Opus 1). Para cuando casi se le agotó la paciencia del joven Oldfield, Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Trasladaron una amplia selección de instrumentos al estudio y el músico hizo su labor a contrarreloj durante esa semana, tiempo en el que se grabó algo más de la primera parte del álbum. El resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. 

Desde el principio Mike empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron todo aquello lo mejor que les fue posible. 

El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía más cercana la relación entre productores y artista con lo que pudo aprender muchas cosas de los dos productores.

Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Vivian Stanshall que grabó las voces pertenecientes al «maestro de ceremonias», Jon Field que tocó la flauta, Steve Broughton y Mundy Ellis en las percusiones y en las voces, respectivamente; Newman y Heyworth recibieron el crédito como coproductores del álbum. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical MIDEM de Cannes, en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo: «si le pones letra te lo compró por 20.000 dólares». Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.

Tubular Bells se lanzó el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que habría podido llamarse «arte en estado puro».La recepción de la crítica y del público fue unánime, calificándolo de «obra maestra». 

                

Fender Precisión 1960                                         Bajo Pro II Aria SB 1000

    BASS TAB TUBULAR

BAJOS UTILIZADOS 

Fender Telecaster:Según Phil Newell, Mike le tomó prestado este bajo para grabar Tubular Bells.

1960 Fender Precision Bass, rubia s/n 48986. Mike compró esto poco después de grabar Tubular Bells. Lo interpretó en la actuación de la BBC Second House en 1974. Los trastes se retiraron más tarde de él. Vendido a través de Chandler Guitars en febrero de 2006.

    

2006/02  Hergest Ridge Ommadawn, Incantations ,QE2 (Mike usó este bajo en la gira para el álbum, y parece haber sido uno de sus favoritos, por lo que es probable que sea la fuente de todas las partes de Precision Bass en el álbum.)  Five Miles Out (Se muestra en la foto del estudio de Mike en el interior de la puerta del LP).

EB3 Gibson. Bajo eléctrico en forma de SG. Album: Ommadawn.

Zemaitis bajo acústico Vendido a través de Chandler Guitars en febrero de 2008.

    

1975-2008/02 Ommadawn,Incantaciones , Five Miles Out(Se muestra en la foto del estudio de Mike en el interior de la puerta del LP).

1962 Gibson EBSF-1250 Cherry Red Electric Doubleneck, Bajo y 6 Cuerdas, Serie #90448 Vendido en Subastas de Guitarra el 8 de marzo de 2023 por 12.500 GBP. Comprado por el vendedor en octubre de 1994 a un amigo de Mike Oldfield que lo estaba almacenando en su granero. Fue ofrecido por el asistente personal de Mike, Jeremy Parker, quien le dijo al vendedor dónde recogerlo. La guitarra se usó en el período Platinum y QE2, también apareció en los videos Essential Knebworth Concert y Wonderful Land. Sólo 22 fueron construidos 1979 1994/10.

       

  

Pro II Aria SB-1000.Cuerpo Sen (Japanese Ash).1982.

 Roland G-88 Bass Guitar Controller, Serie #A814722.Guitarra  bajo diseñada para controlar el sintetizador de bajos GR-33B. También se puede usar como bajo convencional, lo que Mike parece haber hecho. Vendido en Subastas de guitarra con una unidad de pedal de sintetizador de bajo Roland GR-33B, Serial # 050634 (falta de cable de varios pines). Comprado por el vendedor en octubre de 1994, Jeremy Parker le ofreció el bajo, el entonces asistente personal de Mike. Al vendedor se le ofreció la guitarra ya que era un conocido fan de Mike Oldfield. El instrumento se puede ver en los videos de 'Shadow On The Wall', 'Pictures In The Dark' y 'Islands'.1983.

1983-1994/10 Crisis (Mike aparece con él en el video de Shadow on the Wall, por lo que es muy probable que lo haya usado en el álbum.) Discovery e Islands.

1989 PRS Bass 5, Azul Ballena, s/n 990631.Alrededor de 1991/1992, cuando Mike Oldfield grabó Tubular Bells II, usó una cadena PRS 5 que vendió a las Guitarras Chandler después de hacer el álbum. El rumor de Doiug Chandler dice que Mike Oldfield nunca lo usó en el disco. El bajo estaba en perfecto estado cuando más tarde se vendió en marzo de 2003.

PRS Bass 4, Amarillo Vintage. Utilizado en los albums ,AmarokTubular Bells II (Seen en los videoclips 'Making of TB2', así que presumiblemente también se usa en el álbum)1989.

Wal bajo personalizado.s/n W3557. 1991Vendido a un fan alemán a través de Chandler Guitars en febrero de 2006. Albums: 1991/04 2006/02 Tubular II , Tubular III  Guitars, Tubular Bells 2003.

Mid 60s Fender Precision Bass, fiesta red. Album: Light + Shade.

2006 Fender American Standard Precision Bass.2006.

2007 Fender Roscoe Beck Bass® IV – Sunburst de 3 colores Utilizado en la era de las Bahamas

 Man On The Rocks, Return to Ommadawn.

Kingman Fender.Bajo acústico.2016 Return to Ommadawn.

Shaftsbury Ned Callan Cody bajo de 1973 - 74.

  

Wal. Cinco cuerdas.

Tony Bowers

                                           

Tony Bowers (Inglaterra, 31 de octubre de 1952)1​ es un músico inglés multinstrumentista toca  guitarra bajo contrabajo percusion saxofon entre otros, radicado en Italia, cuyos géneros son diversos, habiendo destacado en la década de 1970 en formar parte de la escena punk y post-punk de Mánchester, con grupos como Alberto Y Lost Trios Paranoias y The Durutti Column, y luego con Simply Red.

Bowers debutó en la banda de blues Blind Eye (1971-1972), como segundo guitarrista, aunque no se le considera un exmiembro.Después de tocar en otras bandas de blues, se unió a Alberto Y Lost Trios Paranoias , con quien tocó el bajo en todos los álbumes y sencillos lanzados. Más tarde, en 1978, formó The Durutti Column , junto a los guitarristas Vini Reilly y Dave Rowbotham , y el baterista Chris Joyce . Después de algunos conciertos y el lanzamiento de dos canciones en una compilación de varios artistas llamada A Factory Sample , Bowers, Rowbotham y Joyce dejaron la banda, formando The Mothmen con el exmiembro de Alberto Y Lost Trios Paranoias Bob Harding. 

Después de Simply Red (1991) colaboró ​​con Barrington Stewart (DFreek), quien, con Demo Morselli (un trompetista italiano ), formó Concrete Wig (el nombre dedicado al fallecido Roger Eagle, quien fue una gran influencia). 

Barrington murió en 2011. Bowers continúa tocando, escribiendo, colaborando y produciendo, incluida la coproducción del álbum debut de Ray Tarantino , Recusant .que impulsó a Tarantino al puesto número uno de los artistas independientes del Reino Unido en Myspace ,  encabezando las listas junto a Amy Winehouse y Gomez . 

Bowers tocó y produjo Who Stole The Sky en 2003 de Sainkho Namtchylak , un álbum que estuvo entre los tres primeros en las listas de música mundial de la BBC. Actualmente vive en Italia e Irlanda, y participa en varios proyectos diferentes, que incluyen tutorías, grabaciones y presentaciones en vivo con diferentes artistas, entre ellos Blues Confidential, Fabio Fabbri y Sorgente . 

                                                              Un gran disco com unas lineas de bajo excepcionales 

Shine 

Line Bass Shine

Lines Shine

Chris Chaney

 

Chris Chaney, nacido el 14 de junio de 1970, es un bajista de rock estadounidense.

Fue el tercer bajista del grupo Jane's Addiction después de Eric Avery y Flea. Ha grabado y participado en giras con Alanis Morissette entre 1995 y 2002. Chris Chaney también ha tomado parte en The Panic Channel con Dave Navarro y en el grupo del baterista Taylor Hawkins.

En el 2009, Chris Chaney ha grabado varias canciones de Slash, el álbum de Slashy como bajista de gira para AC/DC.

 Audio en Directo de la  linea de bajo tocado por  Chris Chaney del tema :You Oughta Know - Alanis Morissette  en 1995.

https://www.dailymotion.com/video/x2v0in6

Line Bass

Line Drum

Track any Bass

Carta de Pedro Valls i Duran 1928

                                                     

En este artículo publicado en la revista Musical Hermes, nos habla sobre  de la dificultad de construcción tanto en los problemas tecnicos como ejecucíon sobre el instrumento que genera el contrabajo de cinco cuerdas. 

 Contestación de Pedro Valls, respecto al artículo publicado en la revista Musical Hermes en 1928.

 Pedro Valls, fue contrabajista, compositor y pedagogo del contrabajo, nació en Sabadell (Barcelona) en 1869 y murió en la capital catalana en 1935.

Inició los estudios de música en Sabadell, posteriormente para ampliarlos se trasladó a Barcelona. A los dieciocho años,ya con un buen dominio del instrumento, viajó a la República Argentina y se estableció en Buenos Aires donde formó parte de diferentes orquestas. 

En Buenos Aires pudo estudio armonía y contrapunto, así amplio los estudios  de contrabajo con José Roveda, discípulo directo del gran contrabajista italiano Giovanni Bottessini. 

La experiencia que adquirió tanto con el repertorio sinfónico como en el operístico fue decisiva en su carrera. La etapa americana acabó el año 1892 cuando, por razones familiares, tuvo que regresar a Catalunya.

En 1892 se instaló en Barcelona y, durante los siguientes 30 años, fue uno de los artistas más destacados del panorama musical catalán por su papel relevante en cuatro facetas: en primer lugar, como intérprete —formó parte de las mejores orquestas de la época, como la Orquesta Pau Casals, la Banda Municipal de Barcelona o la Orquesta del Gran Teatro del Liceo—; en segundo lugar, como profesor de contrabajo —fue profesor del Conservatorio de Música del Liceo durante más de veinte años y por sus clases pasaron la mayor parte de los instrumentistas de contrabajo del país, además de ser autor de un Método para Contrabajo deudor de la escuela de Bottessini—; en tercer lugar, como dinamizador musical —con la participación activa en diferentes asociaciones musicales como la Unión de Músicos de Catalunya, la Asociación Wagneriana de Barcelona o la Asociación Obrera de Conciertos—; y en cuarto lugar, como compositor.

Como compositor Pere Valls fue autor de más de cincuenta obras para diversas formaciones, pero entre todas ellas destacan las dedicadas al contrabajo. De entre sus obras para contrabajo y piano destacan la Suite Andaluza (1918) en cuatro movimientos —obra que actualmente es de repertorio en diversas escuelas europeas de contrabajo como por ejemplo en la Cátedra “Reina Sofía” de Madrid—las tres Fantasies per a contrabaix i orquestra (compuestas entre 1894 y 1917) —una de ellas en homenaje a Bottessini—, el Gran concierto obligado para contrabajo (1906), la Fantasía andante con variaciones, la Gran introducción y Tarantella, el Tema con variaciones para contrabajo, la Tarantella-concierto de contrabajo (1893) o la Romanza para Contrabajo y piano, obra que —en su transcripción para violoncello— fue estrenada por el mismo Pau Casals. Su catálogo se completa con obras para orquesta, para piano, para grupos de cámara, para cobla (orquesta de viento popular en Catalunya), para banda, para instrumentos solistas, para orquesta de baile, y hasta una zarzuela.

 Existe  una carta manuscrita original en apoyo de Pere Valls, una lista de 28 alumnos, que se encuentra en manos de la familia, entre los cuales aparecens los siguientes:

Joan Gratacós ,Salvador Escofet, Tomàs Goxens, Mateu Calvet, Josep Segarra, Santiago Sató, Antonio Goxens,Ramón Tardà,Conrado Bas,Josep Cervera Bret,Antoni Muntaner,José Sabadell,Ramón Segura,

Rafael del Pino, Pedro Ribalta,Nicasio Goicoechea,José Cañameras, Joaquin Morales,Lorenzo Regás,

Emilio Rovira, Santiago Lato, José Balcells,Alejandro Clos, Roberto Nivelo, Federico Castells, Ángel Viñolas,Francisco Oliveras,Sadurní Jané, Antonio Masat, entre otros.

CONTRABAJISTA PEDRO COSTA

El Eco del comercio. 8/11/1849, n.º 22

Noticia recogida en la publicación de 1849 ,el Eco del Comecio.

La ópera en Sevilla a lo largo del siglo XIX, y en concreto a partir de 1850 mantuvo una actividad intensa, superando crisis que prueban su importancia en la vida musical.

Se contrató a varias compañías, una en comienzo en otoño y otra en primavera, por ejemplo. 512 María Isabel Osuna Lucena.

El principal teatro de Sevilla es el de San Fernando, dedicado a la ópera esencialmente. Se cuenta con otros locales de espectáculos, pero éste se distingue tanto por su programación como por el público que lo sostiene, más aristocrático que el asiduo a las representaciones de zarzuelas, y que ve en ello además una forma de relación social.

No estaba destinado a un espectáculo de masas, pero tampoco de una avanzada cultural, y por tanto de élites intelectuales. Mientras la zarzuela se puede ver como una producción para el consumo, la ópera recurre a estilos consolidados, dentro de gustos muy definidos.  

Hubo una clara preferencia por la ópera italiana, acompañada de algunas francesas, el público sevillano se decantó por obras de líneas melódicas más claras, más cantables, fáciles al oído, como son las de Verdi, Donizzetti, Bellini, Meyerbeer, Auber  no poniéndose en escena óperas de Wagner ni de compositores del clasicismo. 

Las de más éxito serían, dentro de la producción verdiana, Rigoletto (que llega a Sevilla sólo dos años después de su estreno), Nabucco, Hernani, Luisa Miller, Macbeth, I Lombardi, y Stiffelio, ópera que se representó en muy pocos lugares, y que en España sólo se vio en Barcelona y Sevilla hasta fecha reciente (Madrid, 1995). De Donizetti destacarían Lucia di Lammermoor, María de Rohan, Los Mártires, La Favorita, Linda de Chamounix, y muy especialmente Lucrecia Borgia, una de las más repetidas. Norma de Bellini se interpreta completa en el San Fernando, pero también en selecciones de conciertos o funciones especiales, y del mismo autor se verían también I Puritani y La Sonámbula. Rossini, muy admirado entonces, está curiosamente más presente en los conciertos o actuaciones callejeras que en la escena.

La influencia del italianismo marcó tanto, que los cantantes adoptaron nombres

italianizados, aun siendo españoles. Es el caso de figuras como Landi, Rossi-Caccia, Prattico, Bianchi, Volpini, Peruzzi, etc. Como testimonio de la profunda admiración que sentían por los más destacados de estos artistas, se les rendían sentidos homenajes en funciones especiales. Aunque la prensa local no refleja muchas noticias del exterior, sí hemos encontrado referencias a estrenos, representaciones o compañías que actúan en Cádiz o Madrid, avalando así su venida.

 La empresa que se hacía cargo del San Fernando durante las temporadas de ópera, sufría en ocasiones reveses económicos que hacían peligrar el espectáculo, llegando incluso a cerrarse el teatro

temporalmente. 

El periódico se hacía eco inmediatamente de estas dificultades, reclamando la reposición de óperas de éxito, donde se acababa resolviendo. 

Este medio de comunicación atribuía como una de las causas de la crisis, la La Música en Sevilla durante 1850-1860 513 escasa asistencia de público, por ser éste tan selecto y no dar cabida a las masas populares. Lo que sí se podía comprobar es la asistencia más numerosa a las funciones especiales a beneficio de algún miembro de la compañía. El punto más débil, y que no se corregía, era la pobreza escenográfica, tema muy criticado también en la prensa. 

En este articulo nos muestra la importacia de la contratación para la seccion de contrabajo  del reconocido contrabajista de aquella época en España Pedro Costa.